Wagon Wheel: La canción perdida de Bob Dylan y reencontrada por Ketch Secor

Trasteando por la red hace algún tiempo topé con esta obra maestra «Wagon Wheel», luego descubrí que en realidad no podría haber sido de otra manera. La primera vez que la escuché fue por obra y gracia de una banda de cuerdas llamada «Old Crow Medicine Show».

Old Crow Medicine Show, liderado por la particular voz de Ketch Secor, voz principal y fiddle (fiddle y violín no son exactamente lo mismo aunque lo parezcan) comenzó a tocar en las esquinas de las calles en 1998 en el estado de Nueva York y en Canadá, ganando público en el camino con su energía y espíritu ilimitados. Finalmente se encontraron en Boone, Carolina del Norte, donde llamaron la atención del ícono folk Doc Watson mientras jugaban frente a una farmacia. Invitó a la banda a tocar en su festival, MerleFest, ayudando a lanzar su carrera. Poco después, la banda fue contratada para el gran público entre actuaciones en el Grand Ole Opry en Nashville, TN.

Han pasado más de veinte años desde estos humildes comienzos. La banda ha recibido el honor de ser admitida como miembros de Grand Ole Opry y ha ganado dos premios Grammy: «Mejor álbum folk» por Remedy (2014) y «Mejor vídeo musical de formato largo» por Big Easy Express

( 2013). Además, su single, «Wagon Wheel», recibió la certificación Doble Platino de la RIAA en 2019 por vender más de 2,000,000 de copias, mientras que el álbum debut de la banda O.C.M.S. ha sido certificado como disco de oro (500.000 copias).

Posteriormente y con un éxito absoluto ha sido versionado genialmente por el cantante y compositor de color de Carolina del Sur Darius Rucker en su álbum «The Believers» de 2013. De hecho si buscáis en Youtube encontraréis múltiples versiones del tema, algunas de gran talento otras de menos obviamente.

«Wagon Wheel» es una canción coescrita por Bob Dylan y Ketch Secor de Old Crow Medicine Show. Dylan grabó el estribillosen 1973; Secor añadió verso a la canción de Dylan 25 años después.

«Wagon Wheel» se compone de dos partes diferentes. El coro y la melodía de la canción provienen de una demo grabada por Bob Dylan durante las sesiones de Pat Garrett y Billy the Kid en febrero de 1973, aunque nunca se lanzó oficialmente, la canción de Dylan fue lanzada en una grabación pirata, generalmente conocida por el estribillo y melodía, «Rock Me Mama». Dylan dejó la canción como un boceto inacabado. Posteriormente Ketch Secor de Old Crow Medicine Show escribió versos para la canción en torno al estribillo (y melodía) original de Dylan en 1998

«So rock me mama like a wagon wheel
Rock me mama any way you feel
Hey mama rock me
Rock me mama like the wind and the rain
Rock me mama like a south-bound train
Hey mama rock me»

La canción describe un viaje en autostop hacia el sur a lo largo de la costa este de los Estados Unidos desde Nueva Inglaterra en el noreste a través de Roanoke, Virginia, con el destino previsto de Raleigh, Carolina del Norte, donde el narrador espera ver a su amante. Mientras el narrador camina hacia el sur de Roanoke, se encuentra con un camionero que viaja desde Filadelfia a través de Virginia hacia el oeste hacia Cumberland Gap y Johnson City, Tennessee (aunque probablemente no viaje muy lejos con él). durante el supuesto viaje va contando su propia historia que podría recordar el pasado del propio Ketch Secor.

Secor vio la contribución de Dylan como «algo desechado de algunas de sus innumerables grabaciones antes de siquiera pensar «Oh será mejor que investigue ésto».

Versión de Bob Dylan para la cinta de Sam Peckinpah Pat Garret and Billy the Kid (Disculpad la calidad de la grabación, es lo que hay)

Cuando Secor buscó los derechos de autor de la canción en 2003 para publicarla en OCMS en (2004), descubrió que Dylan atribuía la frase «Rock me, mama» al bluesman Arthur «Big Boy» Crudup, quien grabó una canción con este título en 1944. Probablemente la obtuvo de una grabación de Big Bill Broonzy «Rockin ‘Chair Blues «de 1940 usando la frase» rock me, baby «. La frase «like a wagon wheel» se usa en la canción de Curtis Jones de 1939 «Roll Me Mama» que incluye las líneas «Ahora dame la vuelta, como si fuera una rueda de carro» y «como si no tuviera ningun hueso». Lo regrabó en 1963 como «Roll Me Over», con algunas de las letras. Mientras tanto, a Lil ‘Son Jackson se le ocurrió «Rockin’ and Rollin» en 1950 usando la frase «Roll me, baby, like you roll a wagon wheel». Como dice Secor: «En cierto modo, ha llevado unos 85 años completarlo». Secor y Dylan firmaron un acuerdo de co-escritura y comparten los derechos de autor de la canción, accediendo a una «división 50-50 en la autoría». Cuando Secor descubrió que el famoso cantautor estaba dispuesto a publicar la canción con Old Crow, él, al igual que los creadores afirmados anteriormente, rechazó la autoría.

(Dylan) dijo: «Yo no escribí eso; Arthur Crudup lo hizo «. Arthur Crudup dijo:» Yo no escribí eso; [Big] Bill Broonzy escribió eso «. La primera grabación de Bill del derivado de» Rock Me Mama «es alrededor de 1928. Es una verdadera canción folk, una que ha acumulado mucho polvo en el guardabarros antes de que llegara a tu ciudad. Y canciones como esa tienden a durar más porque han sido influenciadas por voces tan duraderas.

Secor recuerda que «conocí a (el hijo de Dylan) Jakob, y Jakob dijo que tenía sentido que yo fuera un adolescente cuando hice eso porque nadie en sus 30 tendría los huevos para intentar reescribir una canción de Bob Dylan».

Sólo queda disfrutarla. Os incluyo la letra.

Headed down south to the land of the pines
And I’m thumbin’ my way into North Caroline
Starin’ up the road
Pray to God I see headlightsI made it down the coast in seventeen hours
Pickin’ me a bouquet of dogwood flowers
And I’m a hopin’ for Raleigh
I can see my baby tonightSo rock me mama like a wagon wheel
Rock me mama anyway you feel
Hey mama rock me
Rock me mama like the wind and the rain
Rock me mama like a south-bound train
Hey mama rock meRunnin’ from the cold up in New England
I was born to be a fiddler in an old-time string band
My baby plays the guitar
I pick a banjo nowOh, the North country winters keep a gettin’ me now
Lost my money playin’ poker so I had to up and leave
But I ain’t a turnin’ back
To livin’ that old life no moreSo rock me mama…

El Club de lo 27: Muere joven y conviértete en mito

Hay un dicho atribuido, no sé si apócrifamente a Jerry García de los Grateful Dead, la mítica banda psicodélica norteamericana de los 60’s : «vive rápido, muere joven y ten un cadaver presentable» o algo así. Pues bien, desgraciadamente, o quizá no tanto, en la iconografía pop el llamado oficiosamente «El Club de lo 27» cumple a rajatabla ese aforismo bastardo.

Hay muchos artículos, post y libros al respecto y no voy a contar nada nuevo, siento defraudar vuestras expectativas, pero escribo de lo que quiero y quienes me lean deben aceptarme así. El número de integrantes de este club lo integran mitos del Rock&Roll, pero muchos completan la lista con músicos anteriores del mundo del blues, actores malogrados o incluso un desconocido ara el gran público rey de Irak nacido en la Meca cuando ésta era británica. Yo escribiré de aquellos nombres con los que crecí y me dejaré muchos en el tintero, pero qué le vamos a hacer, el hombre propone, Dios dispone y yo escribo de lo que me sale de esa parte que el pudor me impide nombrar pero que los romanos se cubrían con una cojonera de mimbre.

BRIAN JONES

El primero que se me viene a la memoria en Brian jones, cofundador de los Stones, el más gnuinamente artista, multiinstrumentista, experimental y poco amante de lo comercial, participante destacado de dos álbumes míticos de la banda, Aftermath y Their Satanic majestic Request dejó de buen grado la banda ainstancias del resto de los Stones durante la grabación del Let it bleed. Sólo dos días antes del histórico concierto de la banda en Hyde Park en 1969 Brian Jones moría con 27 años ahogado en la piscina. La muerte fue certificada como accidente aunque se han barajado las drogas, ajustes de cuentas por deudas por drogas, incluso el asesinato por parte de Frank Thorogood, que confesó su crimen antes de morir. Murió con 27 años el 3 de Julio de 1969 en Hartfield (Reino Unido).

GRAM PARSONS (Portada del mítico álbum Grievous Angel)

Hablando de los Stones, por su influencia sobre Keith Richards, Mick Jagger, y sobre la música pop, country y rock en general toca hablar de Gram Parsons, líder de la mítica Flying Burrito Brothers y los Byrds. Para mí el mñas grande de todos pero uno de los más desconocidos del club, aunque murió 46 días antes de cumplir los 27 años y cuyo cadáver sufrió un periplo estrambótico y francamente psicodélico en que Johnny Knoxville interpreta al amigo de Parsons que robó el cadáver para darle el funeral y entierro que hubiera querido el músico. La película que no os podéis perder es titulada «Gram Theft Parsons» es del 2003 y la podeis ver en Youtube . Su vida interesante donde las haya, natural de una familia relacionada con la industria agrícola de Florida, fue a prestigiosas escuelas e incluso cursó teologia en Harvard. Fue pareja de una de las grandes damas del pop y el country Emmylou Harris y autor de mil canciones para recordar, entre ellas «She». Como otros del club de los 27 Gram Parsons falleció de una sobredosis de heroina en Joshua Tree (lugar conocido y muy querido del que les escribe) a pocos kilómetros de Los Ángeles el 19 de Septiembre de 1973. La revista Rolling Stone en el 2004 lo situó en el puesto 87 de los 100 artistas más influyentes de todos los tiempos. Con él lo que conocemos como música popular no sería lo mismo.

JIMIE HENDRIX

Jimie Hendrix, el innovador guitarrista, el más celebrado de la historia de la música popular, lgo que ogró en tan solo cuatro años de actividad hasta su muerte el 18 de septiembre de 1970. Este genio de Seattle junto con su escasa banda «The Jimie HendrixExperience» revolucionaron el panorama muical convirtiéndose en idolos para genios como clapton o versionando, las mejores versiones, de canciones de Bob Dylan, o siendo versionado de forma magistral por genios de la guitarra como Steve Ray Vaughan con «Purple Haze», dándose el caso de que a pesar de su escasa discografía, 4 trabajos, tres con Experience, yo he logrado recopilar mas de 70 grabaciones piratas, el mito trabajó y cualquier grabación por pésima que fuera se transformaba en un vinilo, o una cassette de Hendrix. aunque triunfó en vida, solo hay que recordar su memorable «Bars and stars» de Woodstock, todos los galardones y reconocimiento los recibió estando ya muerto incluso décadas después como es el caso del  Rhythm and Blues Music Hall of Fame en Deadborn, Michigan, en 2016, estatuas, sellos de correos etc. convirtiéndose en uno de los grandes iconos de la cultura pop y de la cultura norteamericana en particular. En Septiembre de 1970 Hendrix moría víctima de una sobredosis de barbitúricos, en concreto por la ingesta de nueve comprimidos de somníferos Vexparas, 18 veces la dosis prescrita normalmente ahogándose en su propio vómito en el hotel Samarkanda de Londres. una muerte trágica, profundamente estúpida, sin las tragedias subyacentes de otros del club y que hizo de este músico un mito.

JANIS JOPLIN

La tejana de la voz rota Janis Lyn Joplin tuvo una discografía oficial en vida de la artista casi tan escasa como la de Hendrix, tres trabajos con la Big Brother and the Holding Company, uno con la Kozmic Blues Band y el magistral «Pearl» con la Full Tilt Boogie Band. aunque su familia fue una familia fincional normal Janis nunca se sintió plenamente adaptada a ningún entorno en particular, siendo sometida a bullying durante sus año de instituto. Desde los 20 años se adentró en la música llegando a las más altas cotas de consideración entre sus colegas y a los pozos más profundos del mundo de la heroina y el alcohol, provocando sonados altercados, o eso dicen con Jim Morrison de los Doors o Lou Reed de la Velvet Underground y finalmente su muerte en Los Ángeles el 4 de Octubre de 1970.

JIM MORRISON

Jim Morrison es un caso particular, todos le consideramos el genial líder y alma mater de The Doors, quizá la banda mito por excelencia. Curiosamente el nunca o consideró así y sólo se consideraba el vocalista de la banda, lo que habla en favor de un músico tan injustamente tratado como ególatra infumable como en la cinta, por otro lado muy entretenida de Oliver Stone «The Doors». A pesar de estudiar cine en la mítica también UCLA, nunca finalizó sus estudios y unido a otros genios como Krieger, Manzarek y Densmore formó una de las bandas e iconos de la cultura popular más importantes jamas visto. Si a eso añadimos la psicodelia, las drogas, el carácter iconoclasta y provocador, la visión animista y bizarramente espiritual y una muerte prematura y bastante enigmática tenemos todos los ingredientes para el mito. Tampoco al igual que los anteriores tuvieron una carrera muy prolífica, aunque algo más que los anteriores desde «The Doors» en 1966 a la simplemente una obra maestra «LA Woman» en 1971. Quizá fue el más artista de todo el club en función de su cautivadora personalidad. Desarrolló una tremenda dependencia del alcohol, que a menudo le impedía realizar su trabajo como músico con la banda y finalmente el 3 de Julio de 1971 moría en París de forma absolutamente inesperada, de causa desconocida ya que no se le hizo autopsia alguna. Su muerte es causa de controversia y su tumba en lugar de peregrinación de entusiastas de la cultura popular. Aunque la banda grabó dos discos más ya no fue lo mismo y a banda más genial de todos los tiempos se disolvió en 1973. Junto con Joplin y Hendrix forman el trío indispensable de este triste club.

KURT COBAIN

Kurt Cobain y Amy Winwhouse son quizá los más recientes en incorporarse al club, pero a mi opinión, y las opiniones son como el culo todos tenemos una,son también los más tristes. Kobain líder de quizá la banda contemporánea, emblema del movimiento Grunge, icono de la música de Seattle, a pesar de una vida difícil, quizá también como en el caso de Joplin de inadaptación al medio, en el caso que os ocupa de imposibilidad de asumir fama y de mezclar su frustración con cantidades ingentes de alcohol y heroina, el alma de Nirvana, el cantante de obras maestras como «She smells like a teen» , protagonista de algún intento de suicidio como en el incidente de la gira europea en roma, fue encontrado muerto de un disparo el 8 de Abril de 1994 al lado de una nota de suicidio finalizada por una maravillosa frase de un genio de la música que influyó de manera notable en el movimiento Grunge, el canadiense Neil Young (, «It’s better to burn out than to fade away». Es mejor apagarse que desvanecerse lentamente). Su muerte también ometida a fuertes controversias no oscurece la figura del músico más influyente de la música alternativa de los 90’s.

AMY WINEHOUSE

Amy Winehouse así mismo otra víctima de su propia fama ayudad por ingentes cantidades de alcohol que hacían francamente difícil su trabajo en directo. Un cuerpo frágil con una voz de contralto que la hizo la, quizá, la mejor intérprete del Soul moderno y del jazz. Su adicción al alcohol la llevó a la muerte el 23 de Julio de 2011 y en su autopsia se descubrió que la cantidad de alcohol en sangre que presentaba la genial artista era incompatible con la vida, siendo el diagnóstico de su muerte envenenamiento por alcohol. La ironía es que su disco Back to Black publicado tras su muerte fue el disco más vendido del siglo XXI en ese momento.

Hay otros en este club, pero los que más me han influido han sido estos, ademas haríamos de este post, que ya es largo un obituario insoportable. Descansen en paz y ustedes también del que escribe. Siempre gracias

Biting Elbows: cuando ser un maldito hijo de puta se convierte en arte

En el 2012 una banda rusa bastante desconocida para el gran público telonearon a Placebo y Guns & Roses en el Maxidrom de Moscú y su potente puesta en escena indie o mejor dicho metal alternativo deslumbraron en un concierto por lo demás bastante previsible. Quizá sea un caso extraño en que no ha sido la música la que ha dado a conocer un vídeo, sino que sus videos han potenciado su música hasta un extremo que al menos para el que escribe les ha convertido en una banda imprescindible del panorama musical contemporáneo.

No abunda la información sobre la banda moscovita formada en el 2008 pero sus vídeos cargados de violencia explícita, mujeres despampanantes, servidos bajo un aparente guión de película de acción y un sonido absolutamente identificable, y todos sabemos que una banda es grande cuando su sonido es algo particular y propio de la banda (nadie duda en reconocer sonidos tan característicos como los de los Stones o Dire Straits).

La banda está formada por el director de cine (de alguna parte tenía que surgir una banda por decirlo de alguna manera tan cinematográfica) y vocalista Ilya Naishuller, Ilya Kondratiev, Alexei Zamaraev, los dos a la batería y Gariz Muldenkov a una guitarra tan potente que aporta gran cantidad del carácter a la música de los moscovitas.

Como hemos señalado los vídeos se hicieron inmediatamente virales debidos a su perspectiva en primera persona, los efectos especiales y una violencia extrema. De hecho su líder Ilya Naishuller dirigió en el 2015 la cinta «Hardcore Henry» para la que escribió el tema «A matar», los títulos hablan por si solos.

En esta entrada referenciamos los dos temas estrellas de la banda, «The Stampede» tema del 2013 incluido en el EP Dope Fiend Massacre de 2011 y el absolutamente genial «Bad Motherfucker» del disco del mismo nombre de 2013.

Disfrutad de estos auténticos cracks de la musica contemporánea rusa, no todo para ser bueno tiene que ser de fábrica anglosajona.

I`m not there: Una biopic insólita de Bob Dylan

¿Una más del género de las biografías cinematográficas? por supuesto que no. El enfoque poliédrico de uno de los mitos de la cultura popular le da un algo esquizofrénico que la hace más atractiva. Yo que la ví sin conocerla realmente, me sorprendió, el magistral papel que la australiana Cate Blanchett hace de Robert Zimmerman, alias Bob Dylan, un personaje realmente complejo. Acompañando a Blanchett un reparto de la máxima calidad, Richard Gere, Julianne Moore, Christian Bale y Kris Kristofferson entre otros.

Bob Dylan quizá el mito mas conocido de la música popular y un personaje contorvertido en otros aspectos.Un poeta-músico enigmático, inalcanzable, misterioso y de una obra muy difícil de clasificar claramente.  Martin Scorsese abordó con No direction home (2005), la inmersión en la vida privada y creativa de Bob Dylan para crear dos mundos paralelos, el personal y privado y el propio de las estrellas de la música popular. Para todo ello Scorsese se valió de material de archivo, entrevistas, fotografías y testimonios de personajes muy cercanos a Bob Dylan.

Bob Dylan es el tema de la cinta de Todd Haynes, I’m not there (2007) y fue estrenada en España, sin demasiada repercusión ( un presupuesto de veinte millones de dólares sólo recaudó once millones en todo el mundo). Ni estamos frente a un documental, ni a una biografía tradicional, Haynes retoma el mito de Dylan para construir un relato poliédrico a través de lo que llamaríamos vidas paralelas del artista, séis vidas parciales, alter ego de bob Dylan, que unidas pueden llegar a hacernos comprender la figura completa del artista.

El director, Haynes, investigó tanto «la historia creativa de Dylan como su historia personal, y con historia creativa quiero decir -afirma Haynes- sus canciones, sus escritos, sus entrevistas, sus películas y todas las obras que le inspiraron». En esa investigación, descubrió que sus biografías no describían de forma real al personaje, planteándose un enfoque absolutamente diferente y a partir de la ficción descubrir la realidad. habían fallado en su descubrimiento del Dylan real. Por eso, se planteó su propio recorrido, a partir de la ficción. Haynes y Oren Moverman, redactaron el guión que les dio vida a esos seis personajes que sin serlo son Bob Dylan.

 Los s productores obtuvieron los derechos por parte de Dylan para la banda sonora, y se planteó la figura de Dylan como la de un mito que trasciende las generaciones con temas muy reconocibles como «Like a Rolling Stone» y temas mucho menos conocidos como la canción que da título a la película versionados por nuevas bandas indies. El público más joven también puede sentirse interesado en el mito.

Los alter ego de Dylan se redimen con algunos de los aspectos que han hecho de Dylan un mito. El niño vagabundo Woody (M. C. Franklin), huyendo constantemente, incapaz de adaptarse y apoyado por su compañera inseparable: su guitarra. El músico folk Jack (Christian Bale), cantante protesta, implicado políticamente y unido íntimamente a Joan Baez (Julianne Moore). John, el pastor convertido (de nuevo Christian Bale), pronunciando un fanático sermón en un templo donde la música también está presente; el actor famoso y marido infiel Robbie (Heath Ledger compone un hombre torturado, que se debate entre la pasión y la culpa). La estrella de rock con apariencia andrógina Jude (con la interpretación magistral de Cate Blanchett, reconocida con el premio Globo de Oro, así como en los festivales de Venecia y Toronto de 2007), que se sumerge en una especie de dulce perdición, en donde la euforia y la desesperación están al acecho. Y por último, el viejo Billy the Kid (Richard Gere), ese personaje que permitió eternizar una más de las facetas de Dylan, la de actor, ahora al final de la huida, en la búsqueda de un sosiego que se resiste a ser conquistado. Los personajes secundarios permanecen en las sombras, en apoyo al protagonista de cada segmento, salvo el rol que cumple el reportero omnipresente en la vida de la estrella, que, a la manera de una voz de la conciencia, está constantemente confrontando los dichos y hechos del músico. Un pretexto para mostrar las incursiones de la prensa en la intimidad inabordable de Dylan.

Las piezas de este rompecabezas no encajan perfectamente, aunque hay una sucesión de tiempos que son cerrados con un Billy en un tren, con su guitarra por compañera, como nos habían mostrado a Woody, al inicio. Ese modo circular de cerrar la narración es aparente, porque las diversas historias son sólo fragmentos de una o varias vidas. Lo que da solidez al relato es el sentido que respira cada uno de esos segmentos. Por eso se agradece la obra de Haynes. Compuestos en color (las historias de Woody, Robbie y Billy) y en blanco y negro (las de Jack, John y Jude) -con distintas texturas y filtros, con estéticas del western, de los 70 o como imágenes de archivo, sean de tele o de cine-, esos momentos re-creados (nunca mejor utilizada la palabra), si bien no son testimonios de una vida real, sí poseen la esencia de una vida mítica. Ahí radica el atractivo y la riqueza del film. Que de antemano se sabe que no contará la historia de Dylan, sino que intentará acercarse por caminos retorcidos y de ficción para llegar a ese genio que cada uno se ha construido con la poesía, la música y las extravagancias de Dylan. En esa aproximación, Haynes abona el mito, que durante tanto tiempo el propio Bob Dylan ha creado y mantenido como una más de las muestras de su genio.

Ficha técnica:

I’m not there, EUA, 2007

Dirección: Todd Haynes

Producción: Christine Vachon, John Goldwyn

Guión: Todd Haynes, Oren Moverman
Fotografía: Edward Lachman
Música: Bob Dylan
Interpretación: Christian Bale, Cate Blanchett, Charlotte Gainsbourg, Richard Gere, Heath Ledger, Julianne Moore, Michelle Williams, Bruce Greenwood, Ben Whishaw, Marcus Carl Franklin, Kris Kristofferson, Kyle Switzer

135 minutos

Recordando a Gram Parsons, el Ángel Caido

Un día luminoso en la calle,  sombrío y triste para mí. He pasado el día leyendo a Hesse sumido en una depresión que ya dura mucho tiempo y que desgraciadamente o no, sé que acabará pronto con un sueño sin final, un feliz descanso. Recuerdo como lo describía el filósofo novelista suizo, algo así como abrir la puerta hacia otra cosa cuando ya no es posible aguantar más este pequeño mundo de enanos burgueses, de vidas tranquilas y sin más aspiraciones que llenar la nevera o como mucho conseguir que esa sanguijuela que se hace llamar director de banco no te llame a casa para cualquier cosa menos para dar alegrías.

<<¡Mira, estos monos somos nosotros! ¡Mira así es el hombre! Y toda celebridad ,toda discrección, todas las conquistas del espíritu, todos los avances hacia lo grande, lo sublime y lo eterno dentro de lo humano, se vinieron a tierra y era un juego de monos…>>

Harry Haller (H.H.)

Subo arriba y por motivos que desconozco, quien sabe  porqué qué cosas pasan por la cabeza, como una aparición surgió la cara añinada y traviesa del ángel caido de la época dorada de la música sureña americana. She me marcó profundamente por su tristeza y carga de amor intemporal del delta del gran río del sur. Dicen que su influencia llegó a todos los rincones de la música pòpular, aunque es un gran desconocido para  las generaciones actuales.

Su obra habla por él mismo. Cúantos recuerdos. Murió por sobredosis en Joshua Tree, cerca de Los Ángeles. Allí hace tiempo me dejó tirado el mustang con el que me dirigía hacia tierras de Arizona y Nuevo Méjico. Una sensación intemporal, invierno en el paraiso, tirado como una colilla y bebiendo una gran jarra de cerveza en un tugurio de mala muerte regentado por los hermanos gemelos de los ZZ Top. Hay que ser imbécil, pues no se me ocurrió pedir un café en un honky tonk, el cachondeo fue general entre el escaso público, y la alternativa era salir volando a la puta calle de la mano escasamente amable y ofendida de los jodidos sosias de la banda de Houston.

En ese lugar intemporal, surgido, parecía, de cualquier escena de Easy Rider dejó la vida Gram Parsons y tras la rocambolesca historia del robo de su cadáver para cumplir su deseo de ser quemado en el parque, ese apartado lugar en la carretera de Ninety Nine Palms, en el Joshua Tree Inn, yo apuraba la última cerveza muy cerca de la habitación 8, donde Gram Parsons profundamente deprimido acabó accidentalmente con su vida en un cóctel benéficamente mortal de alcohol, heroina y morfina.

Ese lugar donde las Yucas y un desierto habitado por bloques de granito y antiguas tradiciones indias se convirtieron en la tumba desconocida, y lugar de peregrinaje para los que todavía le recuerdan como creador de lo que se dió en llamar Country Rock, estrella deslumbrante de los Birds y de los míticos Flying Burrito Bros, padre de algunas de las canciones que más me han marcado, como She. Allí inadvertidamente pasé la noche y el fantasma de Gram que no me visitó aquella noche, ésta de la primavera de 2016 viene a visitarme y a recordarme como si de un amigo se tratara que el final de la vida no tiene porque ser algo tan dramático.

Por escasas fechas no pasó a ser miembro del fúnebre club de los 27. Janis Joplin, Jim Morrison y Jimie Hendrix murieron con 27 años. A Gram le faltaron 47 días

Desde la más profunda desesperación os recomiendo a un artista medio olvidado hoy, pero no lo dudeis uno de los más grandes. No sigo. Por hoy basta.

Velvet Underground: casi 50 años despues a la vanguardia de la música contemporánea

Velvet Underground con Nico y Andy Warhol

Mi historia con la mítica banda neoyorkina se remonta años. Quizá era por el año 77/78. Por entonces conocimos a la banda a través del hermano mayor de mi amigo Álvaro; Alberto trabajaba en Galerías Preciados y estaba encargado, entre otras cosas, de pedir el material discográfico que la cadena ponía a la venta en sus centros comerciales. Pedía de todo, que no sé yo si se vendería, lo cierto es que Alberto llegó a tener una discografía en su casa que sería, incluso ahora, la envidia de muchos, y nosotros teníamos la suerte de pasar mucho tiempo en su casa y sobre el background de un barrio obrero de Madrid, Carabanchel, nos convertimos en auténticos admiradores de unas músicas que no llegaban necesariamente al gran público español.  España no se había inaugurado como plaza de visita obligatoria de las bandas internacionales como sucede ahora.

La casa de mi amigo Álvaro, para mi y otros amigos, era un refugio intelectual regentado por Don Santiago, pintor, y una madre que era la madre de todos. En ese refugio no sólo conocí producciones tan exclusivas y extrañas como el «Metal Machine Music» de Lou Reed o a bandas tan desconocidas todavía en España como la Marshall Tucker band. Nos creíamos exclusivos, ahora esa vanidad de adolescentes me hace sonreir. Don Santiago nos dió a conocer a artistas como Giacometti o Chirico, publicaciones como La Codorniz, en la que llegó a dibujar. Fue la única «Casa de la Cultura» que conocí de jovencito. Éramos eternos, sólo se morían los mitos.

Pues por esos tiempos yo conocía a la banda, que automáticamente asociamos a Lou Reed y al genio pop Andy Warhol. No me apetece discutir de la figura de Warhol, no me he sentado a escribir de eso, pero tengo claro que fue el gran mentor y descubridor de una banda, que casi 50 años despues de publicar su primer trabajo The Velvet Underground and Nico (1967), sigue estando en mi opinión a la vanguardia de la música contemporánea.

La semilla de la banda se sembró en 1964 cuando Lou Reed,  conoció al músico de Gales John Cale, en Estados Unidos para estudiar música clásica. Reed y Cale congeniaron y pensaron en fundar un nuevo grupo. Tras diferentes formaciones como los Warlocks o los Falling Spikes se formó  The Velvet Underground, nombre surgido de un libro sobre sadomasoquismo que el hermano de Maureen Tucker encontró en la calle.

Problemas en sus primeras apariciones posibilitaron que Maureen Tucker se incorporara a la banda como batería.  Tucker tenía una muy particular forma de tocar la batería, lo cual sumó excentricidad a la de por sí poco convencional banda. Tucker solía tocar con una batería muy básica, de pie y con mazos en lugar de baquetas. Aparentemente, Tucker habría empezado a tocar de esta forma luego de que el resto de la banda le pidiera que hiciera «algo inusual». Según señaló Maureen años más tarde a la revista Rolling Stone, ella quería aparentemente sonar sus tambores como una antigua tribu en trance.

 

(YouYube)  Rock & Roll Velvet Underground 1969

Una música llena de ruido y distorsiones, letras sobre tópicos inusuales para la época, como sadomasoquismo, travestismo, o la adicción a la heroina, los distanciaban mucho de las bandas típicas de la escena estadounidense de ese momento, en la cual la psicodelia y la cultura hippie alcanzaban su momento cumbre en San Francisco.

En 1967 andy Warhol se convirtió en mánager de la banda e impuso a la modelo alemana Christa Päffgen, de nombre de guerra Nico, para participar en el primer disco de estudio de la banda a pesar de la oposición de Cale y Reed. Sería en 1967 cuando Andy Warhol filmará a la banda en el documental The Velvet Underground & Nico: A Symphony of Sound .

Su primer disco The Velvet Underground and Nico, grabado en muy pocos días , tardó casi un año en ser editado debido las políticas de las discográficas. El contenido del disco no era aceptable para las compañías que no encontraban maneras de comercializarlo. El disco fue editado en mayo de 1967 con un célebre diseño de portada de Warhol y con el nombre de Nico añadido al del grupo, y sólo alcanzó el puesto 171 en las listas. Un exito muy, muy discreto.

El 1968 saldría el genial trabajo White Light/White Heat, despues del cual saldría de la banda John Cale por desavenencias con Reed. Lou Reed despidió previamente a Warhol y a Nico y resultó en un trabajo donde la banda presenta su típico sonido: noise, atonalidad y distorsión. En 1969 saldrá The Velvet Underground  y muestra en su estilo el control absoluto que llegó a tomar Lou Reed sobre el sonido y las letras de la banda. En 1970 sale Loaded, el trabajo más accesible para el gran público y con temas tan conocidos como Sweet Jane. Tambien será  el último trabajo oficial de la banda y el más cercano a algo parecido al éxito.

Despues de la salida de Lou Reed de la banda la banda sobrevivirá hasta el 73, pero ya muy lejana del perfil que le daba Lou Reed. La banda tocó por última vez en el club Oliver´s de Cambridge el 27 de abril de 1973. Entre 1990 y 1996 se reunieron en diversas ocasiones, siempre malogradas por la mala relación entre Lou Reed y Jhon Cale.

Independientemente de estar hablando de finales de los 60, la música de la Velvet Underground sigue a la vanguardia de la música contemporánea y ha ejercido una influencia notable sobre bandas y artistas como Ramones, The Voidoids, Dead Boys, Los Heartbreakers de Tom Petty o Blondie, del post-punk con Siouxsie and the Banshees y Joy Division , del rock gótico; con Bauhaus y The Sisters of Mercy, de la No Wave; con bandas como The Contortions, Theoretical Girls, Teenage Jesus and The Jerks o DNA y del rock alternativo; como por ejemplo Sonic Youth .

Una frase, atribuida a Brian Eno, dice que pocos escucharon a The Velvet Underground durante su corta existencia, pero todos los que lo hicieron formaron una banda

Brian Eno

 

 

Algunas curiosidades sobre RADIOHEAD, la banda del genial Thom Yorke

Para los seguidores de Radiohead, una de las bandas más sinceras y auténticas de la música popular y liderada por el taciturno, solidario y políticamente incorrecto Thom Yorke hoy os dejamos este post con algunas de sus curiosidades más impertinentes y el video de uno de sus temas más memorables «Creep», tema principal de su álbum  «Pablo Honey» de 1993.

Thom Yorke se ha destacado por su papel de activista político en nombre de los derechos humanos, ambientalistas y las causas contra la guerra, Amnistía Internacional, el Partido Verde de Inglaterra y Gales, y Amigos de Big Ask campaña de la Tierra. Radiohead ha tocado en los concierto de Free Tibet en 1998 y 1999, y en un concierto de Amnistía Internacional en 1998. En 2005, Yorke participó de una vigilia durante toda la noche por el Movimiento de Comercio Justo. En 2006, Yorke fue noticia el mismo año por negarse a la solicitud del Primer Ministro Tony Blair, para reunirse con él para discutir sobre el cambio climático, declarando que Blair «no tenía credenciales ambientales». Yorke ha sido posteriormente crítico de su propio uso de la energía. Ha dicho que el uso del transporte aéreo de la industria de la música es peligrosa e insostenible, y que iba a tener en cuenta este problema a la hora de pensar sus giras, si las nuevas normas de emisiones de carbono no obligan a que la situación mejore. En diciembre de 2009, Yorke tuvo acceso a los COP 15 conversaciones sobre el cambio climático en Copenhague, haciéndose pasar por un miembro de los medios de comunicación. En el mismo año prestó su apoyo al proyecto 10:10, un movimiento de animar a la gente a tomar acciones positivas sobre el cambio climático mediante la reducción de sus emisiones de carbono.

–La Frase «King Of Limbs» se relaciona con un viejo roble del bosque de Wiltshire’s Savernake cerca de donde Radiohead grabó parte de ‘In Rainbows’. La frase también aparece en el capítulo 23 del Corán.

–¿Sabíais que Radiohead versionó el tema de Oasis «Wonderwall» durante un programa de radio en los Estados Unidos?

–El padre de Thom Yorke fue boxeador amateur y animó a su hijo a practicar el boxeo, sin demasiado éxito.

– El ruido al comienzo de ‘The Bends»  es el de un grupo de niños que estaban fuera del hotel donde se alojaban en los Estados Unidos. Una vez que los oyó Thom bajo inmediatamente a grabarlos y los incluyó en la canción.

–«Creep» fue inicialmente descartado como single en 1992 cuando los productores por error pensaron que era una versión de un tema de Scott Walker cover. La confusión la produjo el que la banda describiera el tema como «nuestra canción de Scott Walker” (simpelemente querían decir que sonaba como las de Scott Walker».

–Walker llegó a decir en 2006 que Radiohead eran fabulosos y que si tuviera que empezar de nuevo en una banda, Radiohead sería el tipo de banda en el que le hubiera gustado estar.

–Thom Yorke escribió «Creep»’ después de ser rechazado por una chica de la que estaba enamorado cuando estudiaba en la Universidad de Exeter a finales de los 80.

–Mientras escribía «Exit Music», Thom Yorke supo que sería usada en la banda sonora de Romeo y Julieta e inicialmente intentó escribirla usando frases de Shakespeare’s pero no funcionó.

–Radiohead mencionan a a su profesor de música, Terence Gilmore-James, como su primer mentor. Colin Greenwood comenta, «Cuando empezamos, fue muy importante su apoyo porque no recibimos ninguno del director del colegio», incluso en una ocasión  les mando una factura por uso de propiedades de la escuela.

–El primer proyecto musical de Colin Greenwood y Thom Yorke se llamó TNT y sonaba ligeramente punky first musical project together was called TNT –Mientras Yorke estudiaba en la Universidad de Exeter, fue guitarrista de la techno Flickernoise.

–Prince versionó «Creep» en el 2008.

–El batería Phil Selway nunca hubiera vuelto a la banda si no se le hubiera roto el corazón. Dejó la banda a principios de los 90 y se mudó a Irlanda. Cuando su relación acabó se mudó a Oxford y se unió de nuevo a Radiohead.

–Thom Yorke tiene una al parecer merecida fama de taciturno  y huye de los famosos como del diablo, lo que le ha llevado a tener problemas y comentarios desagradables de algunos, como el de Kelly Jones que lo tildó de miserable.

–Thom Yorke se defendió de su fama de desagradable y taciturno en 1996 de esta manera :»Por estar rodeado de idiotas no creo que tenga que convertirme en uno de ellos».

–Un misterioso número, 1426148550, aparecia en la cubierta del disco «Airbag/How Am I Driving». Los Fans rápidamente descubrieron que si llamaban a ese numero, salía la voz de Thom diciendo «Hola». Los fans dejaron mensajes que supuestamente la banda guardó para la posible inclusión en una futura grabación.

–En 1987, Thom Yorke y su novia sufrieron un serio accidente de coche en el que fueron seriamente heridos, a lo que siguió una clara fobia a los automóviles , lo cualse puede ver en títulos como «Airbag», «Killer Cars», «Stupid Car» y «Drunkk Machine».

–El primer nombre que tomó la banda fue «On a Friday» y porteriormente cambiado a Radiohead, tema de los clásicos Talking Heads.

– Los integrantes de la banda tienen  todos grado universitario. Thom en Inglés y humanidades por Exeter, Colin en Inglés por Oxford, Ed es titulado en Económicas por Manchester, Phil tiene la titulación en Inglés e Historia por Liverpool. Jonny abandonó la escuela Brookes de música en Oxford para unirse a la banda en 1991.

RAGE AGAINST THE MACHINE. Rap Metal Antisistema

Queremos dedicar el post número 100 de este blog, que presume de ecléctico y libre, obviamente a todos nuestros lectores que desde 61 paises de los cinco continentes han tenido la amabilidad de visitarnos y gustar de sus contenidos. Nos gusta ser libres y desconfiar del Sistema,  y más con la que está cayendo últimamente en la patria chica de este blog que es España. Ese es elmotivo de aunar lo festivo, lo artístico y lo reivindicativo de la mano de una de las bandas claves de los últimos 24 años. La banda de Zack La Rocha y Tom Morello. El germen que junto al genial Chris Cornell posteriormente formaría la mítica Audioslave. Con ustedes, señoras y caballeros…RAGE AGAINST THE MACHINE.

Pero todo tiene un principio. La banda californiana fundada en el año 1990 por Tom Morello y Zack de la Rocha junto con Tim Commerford y Brad Wilk,  con un estilo basado en la fusión del hip hop, el funk, y el heavy metal. Un estilo donde los solos de guitarra de Tom Morello son reforzados por el usos de pedales y efectos, música donde podemos encontrar emulaciones de los scratchs y otros efectos  DJ de hip hop. De hecho, el cantante, Zack de la Rocha, participó en grupos de punk y hardcore metal antes de volverse un apasionado de la poesía reivndicativa del rap: de ahí  su estilo agresivo e inconfundible. El toque jazzistico lo pone el bajista Tim Commerford, que junto al trabajo de influencias funky del batería Brad Wilk conforman este estilo de fusión más tarde fue imitado por otras bandas, dando origen a lo que ha sido llamado rap metal.

 Sus letras de claro contenido político y revindicativo son tajantes, y claramente del capitalismo, la globalización y la guerra, y las formas de pensamiento, mentalidad y relación social que generan; de hecho en su página podemos ver el enlace  de Axis of Justice, una especie de blog informativo creado por Tom Morello y cuyo propósito es aunar a los músicos, fans y organizaciones políticas para luchar por la justicia social. Incluso el cantante Zack de la Rocha participó en movimientos derivados del EZLN (Ejercito Zapatista de Liberación Nacional. En los días posteriores a los atentados del 11 de septiembre, las emisoras estadounidenses censurarían a la banda por alentar el antipatriotismo.

Zack de la Rocha y Tim Commerford aún iban a la escuela cuando se conocieron. Zack le enseñó a Tim a robar comida de la cafetería, y se hicieron amigos. Mientras tanto, Tom Morello tocaba la guitarra, en Libertyville, Illinois, en grupos de garaje, como Electric Sheep. Tom se mudó de Illinois a Los Ángeles, con la idea de que L.A. era el lugar ideal para formar una verdadera banda de rock.  Tom conoció a Zack rapeando con unos amigos en un club. No pudo oír las letras debido a la detestable acústica del local. Cuando finalmente pudo escucharlas, comprendió  el mensaje que transmitían. Por aquel entonces Tom ya conocía a Brad Wilk, quien había respondido a un anuncio de Tom buscando batería. Zack trajo a su viejo amigo Tim Commerford, y la banda empezó su andadura.

El primer bolo del grupo fue en el garaje de uno de los amigos de Tim en Huntington Beach, California. El grupo tocó sólo cinco canciones que tenía escritas, tuvieron tanto éxito que las repitieron varias veces. Decidieron lanzarse a lo grande, por lo que ellos mismos grabaron una cinta con 12 canciones en un estudio local. Empezaron a tocar en clubes de los alrededores de Los Ángeles y consiguieron vender 5.000 copias de la cinta. Se fueron dando a conocer en el ambiente musical y actuaron como teloneros de Porno for Pyros en su primer gran concierto. Estuvieron en el segundo escenario del Lollapalooza II, en Los Ángeles, California, donde los vio un «caza-talentos». Luego firmaron un contrato con Epic Records (una división de Sony BMG) y siguieron de gira, mientras empezaban a grabar el disco Rage Against the Machine.

Su primera gira europea fue teloneando a Suicidal Tendencies hasta que, en octubre de 1992, uan vez lanzado el disco se mantuvo en el Billboard -Top 200- por 89 semanas. En Filadelfia, elevaron su notoriedad cuando hicieron una protesta en contra de la censura, en especial en contra de Parents Music Resource Center, permaneciendo en el escenario completamente desnudos durante un total de 14 minutos.

En 1995 se tomaron un respiro en lo que se considera la primera crisis de la banda. A mediados de 1996 el grupo apareció en el programa de televisión Saturday Night Live de la cadena NBC, provocando un incidente que le valió ser censurado de por vida de esta cadena de televisión. Al día siguiente, el vídeo de «Bulls On Parade» fue emitido por MTV y dos días después se lanzó Evil Empire. Rage actuó gratuitamente en la Universidad Estatal de California, mientras «Evil Empire» entraba al Billboard 200 como número 1.

Han colaborado con The Prodigy, Henry Rollins, Bone Thugs-N-Harmony, Cypress Hill y The Indigo Girls. Han compuesto canciones para la banda sonora de The Matrix, («Wake Up), The Matrix Reloaded (Calm like a Bomb), en Godzilla (No Shelter) , y El Cuervo (Darkness), y en 1999 fueron las estrellas del festival de Woodstock.

A finales del 2000 Zack de la Rocha anunció que la banda se disolvía para reaparecer en 2007 en Chicago en el Festival de Música y Artes de Coachella Valley en California. También en este mismo concierto se desató la polémica cuando tocaron «Wake up» en el intermedio Zack dio uno de sus comunes discursos en la época de apogeo de RATM, citando a Noam Chomsky sobre los Juicios de Núremberg, diciendo que si los políticos actuales de EE.UU. fueran juzgados con las mismas leyes que los nazis después de la Segunda Guerra Mundial, que todos deberían ser ahorcados hasta la muerte, porque son criminales. Días después, la cadena de noticias Fox dijo que RATM piensa que deberían asesinar a todo el gabinete de la administración de Bush.

A esta acusación Zack respondió con la virulencia acostumbrada:

«Hace un par de meses, esos fascistas hijos de puta en la Fox News Network intentaron poner a esta banda en una esquina sugiriendo que dijimos que el presidente debería ser asesinado. No, lo que dijimos fue que debería ser llevado a un juicio como un criminal de guerra y después debería ser ahorcado y disparado. ¡Eso es lo que dijimos!. Y no nos echaremos atrás en nuestra posición porque los verdaderos asesinos son Bush y Cheney y toda la administración por las vidas que han destruido aquí y en Irak. Ellos lo son. Y lo que ellos rechazaron emitir era mucho más provocativo para mí y para mis compañeros: Que este sistema se ha convertido en algo tan brutal y vicioso y cruel que necesita empezar guerras y sacar beneficio de destrucción alrededor del mundo para poder sobrevivir como potencia mundial. ¡Eso es lo que dijimos!. Y rechazamos no permanecer de pie, rechazamos echarnos para atrás en esta postura no solo por los pobres niños que están siendo abandonados en el desierto para morir, sino también para los jóvenes de Irak, el pueblo de Irak, sus familias y sus amigos,novias y los jóvenes que permanecen de pie y resistiendo la ocupación de los EEUU cada día. Y si verdaderamente queremos terminar esta puta miserable guerra, tenemos que permanecer de pie con la misma fuerza que permanecen de pie la juventud de Irak cada día, y traer esos hijos de puta a sus rodillas. Wake up…»

Su identidad como grupo la constituye su ideología izquierdista, que les ha llevado a manifestarse en numerosas ocasiones contra la política, interior y exterior, de Estados Unidos. Otra prueba de este hecho lo constituyen dos citas del otro Alma Mater de la banda Tom Morello:

«Estados Unidos se autodenomina la tierra de la libertad, pero la primera libertad que tenemos tú y yo es la de desempeñar un trabajo como explotado. Una vez hayas ejercido esta libertad entonces habrás perdido el control sobre lo que haces, lo que se produce y cómo se produce, y, al final, el producto ya no te pertenecerá a ti. La única forma de evitar a los jefes es no cuidar de ti mismo, lo cual nos lleva a la segunda libertad: la de morirse de hambre.»

«Cuando vives en una sociedad capitalista, la difusión de la información se rige por la moneda que marcan los canales capitalistas. ¿Acaso Noam Chomsky se opone a que sus obras se vendan en Barnes & Noble?. No, por que allí es donde la gente común compra sus libros. No estamos interesados en predicar nuestra música solo para aquellos que ya están convertidos. Es genial tocar en un lugar abandonado y que está ocupado ilegalmente por anarquistas, pero también es genial ser capaz de alcanzar a las personas con un mensaje revolucionario, desde Granada Hills hasta Stuttgart.»

¿Conflictivos con el Sistema? Claro que Si, pero también una de las grandes bandas de Rock del final de siglo XX y principios de presente. Una banda cargada de compromiso y haceindo verdad aquellos versos de Gabriel Celaya «La Poesía es un arma cargada de futuro.

DISCOGRAFÍA

• Rage Against the Machine, 1992
• Evil Empire, 1996
• The Battle of Los Angeles, 1999
• Renegades, 2000
• Live & Rare, 1998
• Live at the Grand Olympic Auditorium
• Rage Against the Machine 1997 (dvd)
• The Battle of Mexico City 2000(dvd)
• Live at the Grand Olympic Auditorium 2003

¿Reyes del Rock Alternativo? Queens of the Stone Age «Go with the flow»

Dice Anthony Bourdain, autor neoyorkino, de esta banda:

«¿Qué es exactamente QOTSA? Es todavía un tema de debate. ¿son una banda? ¿Una asociación? ¿Un concepto? A concept? El producto indefinido de un desquiciado  Carlo Von Sexron? ¿el producto tóxico de otras bandas? ¿Un grupo de amigos en constante expansión o contracción? ¿O una sociedad secreta?. en cualquier caso una de las bandas emblemáticas del Rock alternativo o como lo llaman otros los mejores representantes de lo que se ha llamado el Rock desértico.

Formada en 1997 por el único miembro que ha permanecido a lo largo de toda su trayectoria, Josh Homme, ha tenido una cambiante formación a lo largo de estos casi 20 últimos años.

La Escena de Palm Desert es el nombre que recibió un cierto número de bandas de un período comprendido entre la segunda mitad de la década de los 80 y los años 90, que se desarrollaron en la ciudad californiana de Palm Desert. La revista estadounidense Blender, calificó a Palm Desert como «una de las siete ciudades del rock de América«.

En 1997 Homme estaba viviendo en Seattle y se encontraba de gira con Screaming Trees cuando se puso en contacto con Matt Cameron, baterista de los también disueltos Soundgarden, para grabar algunas demos bajo el nombre de Gamma Ray. Homme volvió a Palm Desert tras la grabación y contactó con el batería de la última etapa de Kyuss, Alfredo Hernández.⁵ Sin embargo, ya existía una banda alemana de power metal llamada Gamma Ray, así que Homme decidió cambiar el nombre por el de Queens of the Stone Age. El nombre de la banda se debe a una broma que realizó Chris Goss, componente de Master of Reality y productor, durante la grabación de uno de los álbumes de Kyuss: «Chicos, suenan como las reinas de la edad de piedra».

Su primer álbum marcó las líneas de lo que Homme definió como robot rock. Queens of the Stone Age se puso a la venta el 22 de septiembre de 1998 mediante Loosegroove Records, un sello discográfico independiente que fundó el guitarrista de Pearl Jam, Stone Gossard.

La banda, con Oliveri (guuitarrista y bajista expulsado de la banda en 2004 despues de liarse a botellazos con el público en un concierto en la sala Razzmatazz en Barcelona) y Dave Catching (guitarrista) trabajando de lleno en ella, se embarcó en una gira para promocionar su álbum debut que duraría cerca de dos años y en la que actuarían junto a grupos como Bad Religion, Rage Against the Machine o The Smashing Pumpkins. Homme, mientras tanto, continuó sus grabaciones en The Desert Sessions para el sello Man’s Ruin Records.⁹ Este proyecto le llevó a colaborar con bandas como Monster Magnet, Soundgarden o Fu Manchu.

De 2003 a este mismo años y despues de múltiples formaciones con Homme como denominador común han sido nominados a los premios Best Hard Rock Performance en los Grammy y constituyen uno de los exponentes de mayor calidad del sonido alternativo norteamericano postgrunge.

Esperamos que os guste el tema que os traemos «Go with the flow» («sigue la corriente» podríamos traducirlo al español)

 

 

Hombre blanco hablar con lengua de serpiente

Normalmente los post musicales que publicamos en este blog suelen estar protagonizados por bandas contemporáneas que nos aportan una visión distinta de la actualidad musical más convencional. En este caso nos hemos decidido por un tema antiguo que por la actual situación de España quizás esté más de actualidad que nunca.

El PSOE en 1982 gana las elecciones generales respaldado por una mayoría absoluta que supone el respaldo a un modelo supuestamente progresista. En la campaña del partido socialista figuraba como slogan de la mayor popularidad el «De entrada OTAN NO«. Llegaron al poder y parece que el pragmatismo sustituyo a la ilusión inicial y se vivió un periodo de subida masiva del paro, privatizaciones y cierre gneral de la industria del país.

España se adhiere a la CEE y el 12 de Marzo de 1986 se promueve un referemdum para la entrada de España en la Alianza Atlántica y para sorpresa de gran parte del electorado del PSOE, será este partido el gran adalid del SÍ a la OTAN.

Javier Krahe, poeta y cantautor independiente y miembro de la mítica Mandrágora junto a Joaquín Sabina y a Alberto Pérez fue la confirmación con uno de los episodios de censura más vergonzosa que se ha vivido en la joven democracia española.

En 1986, TVE decidió ofrecer un concierto de Joaquín Sabina en directo. Una de las colaboraciones con que iba a contar el andaluz era la de Javier Krahe, que se disponía a tocar su Cuervo ingenuo. Hasta que se decidió suprimir la actuación de la retransmisión. «Me dijeron que eso no se podía cantar en televisión», ha explicado el cantante en más de una ocasión. Dejamos que nos lo cuente el propio Krahe tal como lo contaba en una entrevista a Rolling Stone el 1 de Diciembre de 2009:

«Fue patético ver que, cuando canté Cuervo Ingenuo en el concierto de Sabina, todo el mundo se puso en pie salvo Juan Barranco, entonces alcalde de Madrid (del PSOE). Barranco se agarraba a la silla, se reía, pero no aplaudía. Poco después le vi y le pregunté que por qué no aplaudía y me dijo que comprendiera su situación. Pues no, no la comprendo. Después me lo he vuelto a encontrar en más de una ocasión y nunca le he saludado. No tengo el menor interés. ¿Por qué no podía aplaudir, porque disparaba contra su jefe? Pues te jodes y bailas. No te va a suceder nada, te van a nombrar senador de por vida, no vas a tener problemas, pero tampoco mi saludo. Me parece de una gran miseria mental. No sé si es que soy más franco, al menos me gustaría, y a veces lo soy. Y eso causa problemas, aunque esos problemas no son insalvables. ¿Me censuran? Me trae sin cuidado. ¿Me anulan todas las actuaciones de los ayuntamientos? Pues me voy a los garitos. Y si os ponéis más bordes y cerráis los garitos, como ha sucedido tantas veces, pues me tumbo a la bartola y que me mantenga mi mujer, pero a mí que no me vengan con cuentos»

Desde entonces la cosa no ha cambiado particularmente salvo en el sentido quizá de echar de menos autores con calidad y completamente comprometidos con su visión moral del mundo. Un mundo donde a la clase política le importa un bledo cumplir los programas electorales sean del color que sean. Va por ti Javier, uno de los últimos poetas íntegros y comprometidos con su oficio de juglares. Gabriel Celaya murió olvidado y su poesía, arma cargada de futuro cayó en el olvido; Machado muchos años antes murió literalmente de pena; el querido profesor Arangurren y del que me enorgullezco de haber conocido, al igual que el genio del teatro Don Antonio Buero Vallejo también nos dejaron con un rostro entre el hastío y la tristeza de la realidad de un pueblo que casi 200 años antes recibió a un bandido llamado Fernando VII al grito de «Viva el Rey Neto».

No sé si estoy triste por lo que escribo, pero en estos momentos ya ni estoy seguro de que el presidente del Gobierno Rajoy se llame siquiera Mariano.

Disculpad el pesimismo de esta entrada y disfrutad de la canción, aunque muchos ni siqueira hubiséis nacido en la época de este episodio, la realidad de España poco ha cambiado desde entonces. Luego se extrañan de que salgan formaciones como PODEMOS.