I`m not there: Una biopic insólita de Bob Dylan

I´m not there

¿Una más del género de las biografías cinematográficas? por supuesto que no. El enfoque poliédrico de uno de los mitos de la cultura popular le da un algo esquizofrénico que la hace más atractiva. Yo que la ví sin conocerla realmente, me sorprendió, el magistral papel que la australiana Cate Blanchett hace de Robert Zimmerman, alias Bob Dylan, un personaje realmente complejo. Acompañando a Blanchett un reparto de la máxima calidad, Richard Gere, Julianne Moore, Christian Bale y Kris Kristofferson entre otros.

Bob Dylan quizá el mito mas conocido de la música popular y un personaje contorvertido en otros aspectos.Un poeta-músico enigmático, inalcanzable, misterioso y de una obra muy difícil de clasificar claramente.  Martin Scorsese abordó con No direction home (2005), la inmersión en la vida privada y creativa de Bob Dylan para crear dos mundos paralelos, el personal y privado y el propio de las estrellas de la música popular. Para todo ello Scorsese se valió de material de archivo, entrevistas, fotografías y testimonios de personajes muy cercanos a Bob Dylan.

Bob Dylan es el tema de la cinta de Todd Haynes, I’m not there (2007) y fue estrenada en España, sin demasiada repercusión ( un presupuesto de veinte millones de dólares sólo recaudó once millones en todo el mundo). Ni estamos frente a un documental, ni a una biografía tradicional, Haynes retoma el mito de Dylan para construir un relato poliédrico a través de lo que llamaríamos vidas paralelas del artista, séis vidas parciales, alter ego de bob Dylan, que unidas pueden llegar a hacernos comprender la figura completa del artista.

El director, Haynes, investigó tanto “la historia creativa de Dylan como su historia personal, y con historia creativa quiero decir -afirma Haynes- sus canciones, sus escritos, sus entrevistas, sus películas y todas las obras que le inspiraron”. En esa investigación, descubrió que sus biografías no describían de forma real al personaje, planteándose un enfoque absolutamente diferente y a partir de la ficción descubrir la realidad. habían fallado en su descubrimiento del Dylan real. Por eso, se planteó su propio recorrido, a partir de la ficción. Haynes y Oren Moverman, redactaron el guión que les dio vida a esos seis personajes que sin serlo son Bob Dylan.

 Los s productores obtuvieron los derechos por parte de Dylan para la banda sonora, y se planteó la figura de Dylan como la de un mito que trasciende las generaciones con temas muy reconocibles como “Like a Rolling Stone” y temas mucho menos conocidos como la canción que da título a la película versionados por nuevas bandas indies. El público más joven también puede sentirse interesado en el mito.

Los alter ego de Dylan se redimen con algunos de los aspectos que han hecho de Dylan un mito. El niño vagabundo Woody (M. C. Franklin), huyendo constantemente, incapaz de adaptarse y apoyado por su compañera inseparable: su guitarra. El músico folk Jack (Christian Bale), cantante protesta, implicado políticamente y unido íntimamente a Joan Baez (Julianne Moore). John, el pastor convertido (de nuevo Christian Bale), pronunciando un fanático sermón en un templo donde la música también está presente; el actor famoso y marido infiel Robbie (Heath Ledger compone un hombre torturado, que se debate entre la pasión y la culpa). La estrella de rock con apariencia andrógina Jude (con la interpretación magistral de Cate Blanchett, reconocida con el premio Globo de Oro, así como en los festivales de Venecia y Toronto de 2007), que se sumerge en una especie de dulce perdición, en donde la euforia y la desesperación están al acecho. Y por último, el viejo Billy the Kid (Richard Gere), ese personaje que permitió eternizar una más de las facetas de Dylan, la de actor, ahora al final de la huida, en la búsqueda de un sosiego que se resiste a ser conquistado. Los personajes secundarios permanecen en las sombras, en apoyo al protagonista de cada segmento, salvo el rol que cumple el reportero omnipresente en la vida de la estrella, que, a la manera de una voz de la conciencia, está constantemente confrontando los dichos y hechos del músico. Un pretexto para mostrar las incursiones de la prensa en la intimidad inabordable de Dylan.

Las piezas de este rompecabezas no encajan perfectamente, aunque hay una sucesión de tiempos que son cerrados con un Billy en un tren, con su guitarra por compañera, como nos habían mostrado a Woody, al inicio. Ese modo circular de cerrar la narración es aparente, porque las diversas historias son sólo fragmentos de una o varias vidas. Lo que da solidez al relato es el sentido que respira cada uno de esos segmentos. Por eso se agradece la obra de Haynes. Compuestos en color (las historias de Woody, Robbie y Billy) y en blanco y negro (las de Jack, John y Jude) -con distintas texturas y filtros, con estéticas del western, de los 70 o como imágenes de archivo, sean de tele o de cine-, esos momentos re-creados (nunca mejor utilizada la palabra), si bien no son testimonios de una vida real, sí poseen la esencia de una vida mítica. Ahí radica el atractivo y la riqueza del film. Que de antemano se sabe que no contará la historia de Dylan, sino que intentará acercarse por caminos retorcidos y de ficción para llegar a ese genio que cada uno se ha construido con la poesía, la música y las extravagancias de Dylan. En esa aproximación, Haynes abona el mito, que durante tanto tiempo el propio Bob Dylan ha creado y mantenido como una más de las muestras de su genio.

Ficha técnica:

I’m not there, EUA, 2007

Dirección: Todd Haynes

Producción: Christine Vachon, John Goldwyn

Guión: Todd Haynes, Oren Moverman
Fotografía: Edward Lachman
Música: Bob Dylan
Interpretación: Christian Bale, Cate Blanchett, Charlotte Gainsbourg, Richard Gere, Heath Ledger, Julianne Moore, Michelle Williams, Bruce Greenwood, Ben Whishaw, Marcus Carl Franklin, Kris Kristofferson, Kyle Switzer

135 minutos

Recordando a Gram Parsons, el Ángel Caido

Gram Parsons

Un día luminoso en la calle,  sombrío y triste para mí. He pasado el día leyendo a Hesse sumido en una depresión que ya dura mucho tiempo y que desgraciadamente o no, sé que acabará pronto con un sueño sin final, un feliz descanso. Recuerdo como lo describía el filósofo novelista suizo, algo así como abrir la puerta hacia otra cosa cuando ya no es posible aguantar más este pequeño mundo de enanos burgueses, de vidas tranquilas y sin más aspiraciones que llenar la nevera o como mucho conseguir que esa sanguijuela que se hace llamar director de banco no te llame a casa para cualquier cosa menos para dar alegrías.

<<¡Mira, estos monos somos nosotros! ¡Mira así es el hombre! Y toda celebridad ,toda discrección, todas las conquistas del espíritu, todos los avances hacia lo grande, lo sublime y lo eterno dentro de lo humano, se vinieron a tierra y era un juego de monos…>>

Harry Haller (H.H.)

Subo arriba y por motivos que desconozco, quien sabe  porqué qué cosas pasan por la cabeza, como una aparición surgió la cara añinada y traviesa del ángel caido de la época dorada de la música sureña americana. She me marcó profundamente por su tristeza y carga de amor intemporal del delta del gran río del sur. Dicen que su influencia llegó a todos los rincones de la música pòpular, aunque es un gran desconocido para  las generaciones actuales.

Su obra habla por él mismo. Cúantos recuerdos. Murió por sobredosis en Joshua Tree, cerca de Los Ángeles. Allí hace tiempo me dejó tirado el mustang con el que me dirigía hacia tierras de Arizona y Nuevo Méjico. Una sensación intemporal, invierno en el paraiso, tirado como una colilla y bebiendo una gran jarra de cerveza en un tugurio de mala muerte regentado por los hermanos gemelos de los ZZ Top. Hay que ser imbécil, pues no se me ocurrió pedir un café en un honky tonk, el cachondeo fue general entre el escaso público, y la alternativa era salir volando a la puta calle de la mano escasamente amable y ofendida de los jodidos sosias de la banda de Houston.

En ese lugar intemporal, surgido, parecía, de cualquier escena de Easy Rider dejó la vida Gram Parsons y tras la rocambolesca historia del robo de su cadáver para cumplir su deseo de ser quemado en el parque, ese apartado lugar en la carretera de Ninety Nine Palms, en el Joshua Tree Inn, yo apuraba la última cerveza muy cerca de la habitación 8, donde Gram Parsons profundamente deprimido acabó accidentalmente con su vida en un cóctel benéficamente mortal de alcohol, heroina y morfina.

Ese lugar donde las Yucas y un desierto habitado por bloques de granito y antiguas tradiciones indias se convirtieron en la tumba desconocida, y lugar de peregrinaje para los que todavía le recuerdan como creador de lo que se dió en llamar Country Rock, estrella deslumbrante de los Birds y de los míticos Flying Burrito Bros, padre de algunas de las canciones que más me han marcado, como She. Allí inadvertidamente pasé la noche y el fantasma de Gram que no me visitó aquella noche, ésta de la primavera de 2016 viene a visitarme y a recordarme como si de un amigo se tratara que el final de la vida no tiene porque ser algo tan dramático.

Joshua Tree National Park. Place where Gram Parsons Died

Por escasas fechas no pasó a ser miembro del fúnebre club de los 27. Janis Joplin, Jim Morrison y Jimie Hendrix murieron con 27 años. A Gram le faltaron 47 días

Desde la más profunda desesperación os recomiendo a un artista medio olvidado hoy, pero no lo dudeis uno de los más grandes. No sigo. Por hoy basta.

V de Vendetta, el símbolo de la resistencia activa, el comic que el cine hizo mito

V de Vendetta Alan Moore

Al igual que muchas cosas este post nace de las enseñanzas de mis alumnos. como profesor siempre pensé que era yo el que enseñaba a mis alumnos, con el tiempo y la reflexión debo admitir que muchas de las cosas que ahora sé es producto de lo que he aprendido de ellos. Y a ellos, a mis alumnos va dedicado este artículo.

Es cierto que tardé en acercarme a esta obra maestra del comic y a la película de culto en que se convirtió, más aún al movimimiento de resistencia activa en que se ha convertido el movimiento Anonymous, leyenda y realidad tras la máscara que representa al legendario insurgente Guy Fawkes.

Pero …

¿Quien fue Guy Fawkes?

Guy Fawkes (1570-1606) fue un conspirador católico inglés que sirvió en los tercios españoles de Flandes y perteneció a un grupo del Restauracionismo Católico inglés. Planeó la Conspiración de la pólvora con el objetivo de derribar el Parlamento con explosivos situados en las bases del edificio y asesinar al rey Jacobo I de Inglaterra y al resto de la Cámara de los Lores. Él era la pieza clave: debía detonar los explosivos cuando los parlamentarios estuviesen reunidos. Al fue arrestado el 5 de noviembre de 1605, declaró que sus intenciones eran acabar con las persecuciones religiosas, se negó a denunciar a sus cómplices y fue ejecutado. Desde entonces ese día se rememora en su país natal la Noche de Guy Fawkes o la Noche de las Hogueras –Bonfire Night en inglés-, donde se simula la quema del mismo en la hoguera.

Después de la muerte de su padre su madre se casó con un católico que ofrecía resistencia a la autoridad de la Iglesia de Inglaterra.  Con 16 años (1586), y convertido al catolicismo junto a toda su familia, se dió cuenta de la brutal represión que el Parlamento inglés ejercía sobre los católicos locales. Un ejemplo de ello fue el caso de la Perla de York, una mujer que fue torturada y aplastada hasta morir por alojar a curas católicos en su casa. Fawkes estuvo diez años luchando por la causa católica española como soldado. Fue durante este tiempo que adoptó el nombre de Guido.

El final de Guy Fawkes y resto de conspiradores fue terrible. fueron ejecutados «en el mismo lugar que habían planeado demoler», frente a Westminster, siguiendo la costumbre con los traidores: «Colgándoles del cuello sin dejarles morir, seccionándoles los genitales, echándolos al fuego ante sus propios ojos y, hallándose aún vivos, destripándoles y arrancándoles el corazón antes de decapitarles y despedazarles. Luego se expondrían ante el público las cabezas clavadas en picas y serían arrojados los restantes trozos a los pájaros para su alimento». Para asistir a las ejecuciones hubo que pagar entradas como a cualquier otro espectáculo de masas.

Alan Moore y David Lloyd El Cómic

El mítico cómic cuyo guión pertenece a Alan Moore e ilustrado por David Lloyd fue finalizado en 1988. Inicialmente destinado para la revista Warrior en 1984, fue finalmente en 1988 editada por DC Comics y está en línea de obras míticas como “1984″ de Orwell, Un mundo feliz” de Aldoux Huxley y “Farenheit 451” de Ray Bradbury. No fue hasta 2005 cuando fue editada en español por Ediciones Zinco y posteriormente por Norma Editorial y en último lugar por Planeta Agostini. En abril de 2012 esta edición fue descatalogada, por lo que sólo podría encontrarse en librerías con ejemplares en stock. La actual licenciataria de los derechos de edición para España, ECC Ediciones, no ha indicado todavía si está entre sus planes editar este cómic, pero es posible que  acabe por hacerlo.

En palabras de Rafael Marín Trechera, escritor, traductor, crítico y guionista de cómics español:

“La publicidad de este tebeo, por una vez, no se basó en frases bonitas que nada significaran. “V de Vendetta es todo lo que los cómics no se supone que son”, llegó a decirse, y era cierto, porque la historia que aquí se cuenta, el mensaje de subversión que llega a proponerse, dista mucho de cuanto se había intentado antes (y se ha intentado después) en el campo de la historieta. Alan Moore y David Lloyd, entonces en los primeros pasos de sus respectivas carreras, son británicos, y esa forma de ver el mundo y la historia se cuela por cada una de las viñetas de esta serie. George Orwell no está, quizá, demasiado lejos de este mundo postnuclear fascista con campos de concentración y cámaras de televisión controladas por un líder mesiánico y de físico vulgar, pero en la amalgama de influencias que pueden rastrearse como precedentes de este cómic único, tampoco puede obviarse a Huxley, a Farenheit 451, El conde de Montecristo, Lagardère o El Hombre que ríe, a series televisivas como El prisionero, a la Segunda Guerra Mundial recordada o aprendida de oídas por los autores, o iconos culturales como El Fantasma de la Ópera, con un algo de La Sombra o El Zorro o Robin Hood y un mucho de científicos locos, de esos que disponen de ingentes recursos económicos y viven en los sótanos de mansiones imposibles, xanadús donde alternan el parque de atracciones y el mausoleo de pesadilla.
     En V de Vendetta no hay concesiones a la galería: la historia es tenebrosa y el dibujo refuerza una y otra vez la indefensión, la brutalidad, el desamparo de todos los personajes, buenos y malos (si buenos y malos hubiera), víctimas y verdugos (roles que se intercambian una y otra vez conforme avanza el relato), vengadores que no encuentran la paz y vengados que agradecen la muerte. Lloyd saca partido de sus limitaciones como artista y en su dominio del contraluz retrata una sociedad inglesa extrapolada a la sumisión de la barbarie: se respira el ambiente marrón de las calles húmedas, la opresión de los lugares cerrados y la muerte que el otoño (las historias se desarrollan en noviembre, puesto que Guy Fawkes, a quien el personaje V reivindica en su causa a través de su disfraz, intentó volar el Parlamento el día 5 de ese mes) contagia a los árboles de los parques. El puñado de personajes que puebla esta historia tiene un elemento común: todos están solos.” Bibliópolis

Según Jordi Juanmartí, en El pequeño Nemo #23: “El tiempo le ha sentado muy bien,  y mantiene su capacidad de sorpresa y fascinación, siendo capaz de seguir incitando al mismo tiempo terror y esperanza”

La Película

V de Vendetta la película

“V de Vendetta” es una adaptación al cine de la novela gráfica , escrita por Alan Moore e ilustrada por David Lloyd. La película fue dirigida por el australiano James McTeigue y producida por Joel Silver y los hermanos Wachowski (¿recordáis Matrix?), quienes además se encargaron de escribir el guion. Está protagonizada por Natalie Portman en el papel de Evey Hammond y Hugo Weaving como V. La trama tiene lugar en un futuro ficticio y muestra a V, un combatiente por la libertad que se oculta bajo una máscara de Guy Fawkes y que persigue la destrucción de un estado fascista ubicado en Inglaterra.

El escritor de la novela gráfica, Alan Moore, no estuvo de acuerdo con algunos aspectos del guion y finalmente exigió que su nombre se retirara de los créditos de la película; por otro lado, el ilustrador David Lloyd sí apoyó la adaptación y aparece acreditado.

La película fue creada por gran parte del equipo que trabajó en la trilogía de Matrix. En 1988, el productor cinematográfico Joel Silver adquirió los derechos de rodaje de dos de las obras del escritor Alan Moore: V for Vendetta y Watchmen.5 Los hermanos Wachowski eran fanáticos de la primera, por lo que a mediados de la década de 1990, antes de comenzar a trabajar en The Matrix, escribieron un esbozo del guion que plasmaba el contenido de la novela gráfica. Durante la posproducción de The Matrix Reloaded y The Matrix Revolutions, los hermanos revisaron dicho guion y ofrecieron el cargo de director a James McTeigue. Fue entonces cuando agregaron elementos para condensar y modernizar la historia, intentando preservar al mismo tiempo la integridad de la novela gráfica y su temática.

La película fue filmada en Londres (Inglaterra) y Potsdam (Alemania), comenzando el rodaje el 7 de marzo de 2005 en los estudios Babelsberg de dicha ciudad alemana. La mayoría de las escenas fueron rodadas allí tras diez semanas de trabajo, aunque también se recrearon algunas secuencias en exteriores en la cercana capital alemana, Berlín.  El equipo de diseño, al mando de Owen Paterson, usó en la película una paleta cromática de grises para evocar el cierto aspecto lúgubre y pesado del clima totalitarista del futuro Londres. Construyeron 89 decorados para la grabación en los estudios Babelsberg. El más grande de ellos fue construido en el mismo lugar donde el director Fritz Lang rodó la película Metrópolis (1927). Paterson, junto con McTeigue y el director artístico, Stephan Gessler, se encargó además de elaborar la máscara de V. Su diseño se basó en la que el personaje usa en la novela gráfica, que a su vez está basada en las máscaras de Guy Fawkes, pero mezclando su aspecto con la de un arlequín. Para darle expresividad barajaron la posibilidad de utilizar efectos por ordenador, aunque finalmente se decantaron por una máscara fija que, a través de distintas técnicas de iluminación y de la interpretación de Hugo Weaving, parecía adquirir varias expresiones.

V for Vendetta toma elementos visuales de diversos íconos de regímenes totalitarios, tanto reales como ficticios. Estos incluyen elementos del nazismo y de la novela de George Orwell 1984. Entretanto los medios de comunicación se presentan en la película como entes serviles al manejo propagandístico del gobierno, una característica general de los regímenes totalitarios (algo mucho más cercano a la realidad de lo que nos parece).  De acuerdo con el periódico Los Angeles Times, «los paralelismos con la vida real se dibujan en la vigilancia del gobierno, la tortura, el alarmismo y la manipulación de los medios de comunicación, por no mencionar la corrupción empresarial y la hipocresía religiosa. No se puede culpar a los realizadores por divertirse referenciando los eventos actuales». Existen también referencias a una epidemia de gripe aviaria y al uso dominante de la identificación biométrica, las redes de espionaje y el análisis del gobierno.

La película tuvo críticas tanto malas como buenas predominando éstas últimas. Obtuvo más de 132 millones de dólares de recaudación en 15 semanas, más de 5 en España. Su claro mensaje positivo hacias la comunidad homosexual le hizo también acreedor a los elogios de esta comunidad. Nominada y premiada a los premios Saturn, Satellite y Prometheus convirtieron a la película inevitablemente en el blanco de críticas y alabanzas desde distintas agrupaciones sociopolíticas. La máscara de Guy Fawkes utilizada por V en la película fue aprovechada en protestas organizadas por un grupo que se reúne a través de Internet y que se autodenomina Anonymous, convirtiéndose en la seña de identidad de este movimiento con orígenes oscuros en FourChan y The Cult of the Dead Cow.

Guy Fawkes Anonymous

Os dejamos eltrailer de la película y os animamos a ver esta cinta imprescindible para cualquier cinéfilo y amante de la libertad.

Gracias  a tod@s

 

Ver cine clásico online nunca fue tan fácil

Casablanca

En el blog “Pasión por el cine clásico podréis ver muchas de las películas imprescindibles de la historia del cine online sin vulnerar derechos. Cintas desde “El Golem” o “Fausto” de los años 20 hasta “El nombre de la Rosa” de 1986. La hemos probado y funciona perfectamente.  Las películas están en español y algunas de ellas en el idioma original con subtítulos

Para los más cinéfilos un blog imprescindible que no nos podemos perder

CINE CLASICO ONLINE de Grace Shaw del blog “PASIÓN POR EL CINE CLÁSICO”

Matar un ruiseñor Harper Lee

Hombre blanco hablar con lengua de serpiente

Normalmente los post musicales que publicamos en este blog suelen estar protagonizados por bandas contemporáneas que nos aportan una visión distinta de la actualidad musical más convencional. En este caso nos hemos decidido por un tema antiguo que por la actual situación de España quizás esté más de actualidad que nunca.

El PSOE en 1982 gana las elecciones generales respaldado por una mayoría absoluta que supone el respaldo a un modelo supuestamente progresista. En la campaña del partido socialista figuraba como slogan de la mayor popularidad el “De entrada OTAN NO“. Llegaron al poder y parece que el pragmatismo sustituyo a la ilusión inicial y se vivió un periodo de subida masiva del paro, privatizaciones y cierre gneral de la industria del país.

España se adhiere a la CEE y el 12 de Marzo de 1986 se promueve un referemdum para la entrada de España en la Alianza Atlántica y para sorpresa de gran parte del electorado del PSOE, será este partido el gran adalid del SÍ a la OTAN.

Javier Krahe, poeta y cantautor independiente y miembro de la mítica Mandrágora junto a Joaquín Sabina y a Alberto Pérez fue la confirmación con uno de los episodios de censura más vergonzosa que se ha vivido en la joven democracia española.

En 1986, TVE decidió ofrecer un concierto de Joaquín Sabina en directo. Una de las colaboraciones con que iba a contar el andaluz era la de Javier Krahe, que se disponía a tocar su Cuervo ingenuo. Hasta que se decidió suprimir la actuación de la retransmisión. “Me dijeron que eso no se podía cantar en televisión”, ha explicado el cantante en más de una ocasión. Dejamos que nos lo cuente el propio Krahe tal como lo contaba en una entrevista a Rolling Stone el 1 de Diciembre de 2009:

“Fue patético ver que, cuando canté Cuervo Ingenuo en el concierto de Sabina, todo el mundo se puso en pie salvo Juan Barranco, entonces alcalde de Madrid (del PSOE). Barranco se agarraba a la silla, se reía, pero no aplaudía. Poco después le vi y le pregunté que por qué no aplaudía y me dijo que comprendiera su situación. Pues no, no la comprendo. Después me lo he vuelto a encontrar en más de una ocasión y nunca le he saludado. No tengo el menor interés. ¿Por qué no podía aplaudir, porque disparaba contra su jefe? Pues te jodes y bailas. No te va a suceder nada, te van a nombrar senador de por vida, no vas a tener problemas, pero tampoco mi saludo. Me parece de una gran miseria mental. No sé si es que soy más franco, al menos me gustaría, y a veces lo soy. Y eso causa problemas, aunque esos problemas no son insalvables. ¿Me censuran? Me trae sin cuidado. ¿Me anulan todas las actuaciones de los ayuntamientos? Pues me voy a los garitos. Y si os ponéis más bordes y cerráis los garitos, como ha sucedido tantas veces, pues me tumbo a la bartola y que me mantenga mi mujer, pero a mí que no me vengan con cuentos”

Javier Krhae

Desde entonces la cosa no ha cambiado particularmente salvo en el sentido quizá de echar de menos autores con calidad y completamente comprometidos con su visión moral del mundo. Un mundo donde a la clase política le importa un bledo cumplir los programas electorales sean del color que sean. Va por ti Javier, uno de los últimos poetas íntegros y comprometidos con su oficio de juglares. Gabriel Celaya murió olvidado y su poesía, arma cargada de futuro cayó en el olvido; Machado muchos años antes murió literalmente de pena; el querido profesor Arangurren y del que me enorgullezco de haber conocido, al igual que el genio del teatro Don Antonio Buero Vallejo también nos dejaron con un rostro entre el hastío y la tristeza de la realidad de un pueblo que casi 200 años antes recibió a un bandido llamado Fernando VII al grito de “Viva el Rey Neto”.

No sé si estoy triste por lo que escribo, pero en estos momentos ya ni estoy seguro de que el presidente del Gobierno Rajoy se llame siquiera Mariano.

Disculpad el pesimismo de esta entrada y disfrutad de la canción, aunque muchos ni siqueira hubiséis nacido en la época de este episodio, la realidad de España poco ha cambiado desde entonces. Luego se extrañan de que salgan formaciones como PODEMOS.

“LISTENING POST”: La inquietante unión de arte e Internet

Mark Hanson Ben Rubi

El 27 de Junio de 2008 a instancias de mi hijo nos acercamos a una gran exposición en el Centro de Arte Reina Sofía. Una experiencia enriquecedora donde el arte digital junto a los nuevos medios nos hicieron pasar uno de los momentos más memorable en una instalación de este tipo. Las sensaciones fueron de todo tipo y variaban de una obra a otra dependiendo del concepto utilizado en dicha obra; desde los ferrofluidos de Sachiko Kodama a la magia de las luces de Paul Friendlander, pasando por la “inquietante” obra digital de Hansen y Rubin. Esta última obra, “Listening Post”  es la que ocupa este artículo, ¿por algún motivo concreto? En absoluto, pero si puedo decir que fue la obra que más nos impactó por la unión del mundo virtual de las salas de chat con lo que deberíamos catalogar como arte conceptual. Nunca el arte fue algo más orgánico, vivo, si queremos decirlo así.

Todo empezó cuando el artista neoyorkino Ben Rubi y el profesor de estadística de la Univerdidad de California en Los Ángeles (UCLA) Mark Hansen empezaron unidos a explorar la creación de sitemas que visualizaran los procesos y dinámicas subyacentes a Internet. Esto es “Listening Post”, una obra de arte tecnológico donde sonido, internet y estadística se unen en un único e inquietante mundo.

La clave de la obra está en que los mensajes que se ven y se escuchan a su paso por la rejilla de 231 pantallas de fósforo verde provienen de una fuente directa de miles de salas de chat. Una instantánea del mundo conversando. Un monumento al presente capaz de comunicar realmente el alcance y la vaga naturaleza de Internet. El panel de pantallas lleva conectado un ordenador que recoge todos los mensajes publicados durante la media hora anterior en varios miles de chats de habla inglesa. Estos datos se ordenan en bruto conforme a las reglas de uno de los siete programas que Hansen ha desarrollado, mostrando los resultados en las pantallas, y como el torrente de datos es continuo, éste nunca se repite.

Todo empezó cuando Rubin conoció a Hansen en un encuentro entre investigadores y artistas en los laboratorios Bell (donde se desarrollaron el transistor, el láser, la teoría de la información y el sistema operativo UNIX). Empezaron con una serie de experimentos que consistían en buscar datos que pudiesen escuchar y un software que podía expresarlos en forma de sonidos.

“Empezamos sonorizando los datos a los que Mark tenía acceso, que eran los registros del sitio web de Bell Labs. Nos dimos cuenta de que los sonidos estaban bien, sí, pero en realidad no le interesaban a nadie. ¿Quién iba a querer escuchar eso?” (Rubin)

Hansen sugirió la idea de chatear y utilizar las palabras como fuente de datos.

El aspecto de pantallas suspendidas evolucionó a partir de la primera exposición en “The Kitchen”, un espacio artístico experimental de Nueva York. Su intención era la de reproducir los sonidos con los que trabajaban en conexión con una fuente de chat en directo, pero repararon en el texto que fluía a través de las pantallas de sus ordenadores y se dieron cuenta de que la fuerza de la obra aumentaba al introducir un componente visual.

“Listening Posts” es una experiencia desconcertante e inquietante, una obra alojada en una sala oscura sólamente iluminada por el frío resplandor de las pantallas de fósforo verde. Hay siete movimientos ejecutados de forma sucesiva. El más complejo de estos movimientos exploraba los mensajes entrantes eligiendo uno aleatoriamente y analizando los mensajes entrantes subsiguientes el sistema buscaba otro que presentara similitudes, ya fueran palabras o grupos de palabras con el primero. Cuando lo encuentra, empezaba a trbajar en una pantalla adyacente buscando otro mensaje que continuaba a partir de éste.

Se da la circunstancia de que Hansen descubrió el accidente del transbordador espacial Columbia mientras realizaba el mantenimiento de la obra en la galería Whitney con tn sólo ejecutar el programa. Hansen descubrió que el mensaje “I am” era, con mucho, el comienzo más común de los posts. Ordenos estos mensajes por longitud y se los envió por correo electrónico a Rubin.  Sesenta páginas convertidas en un poema increible, segun Rubin. Los mensajes iban desde lo más inofensivo hasta lo descaradamente extraño, psando por lo extraño, lo doloroso o lo abiertamente ofensivo.

Mientras miras la obra y escuchas todoes estos fragmentos de conversaciones no se puede evitar extrapolar las historias,  sentir lástima por esa pobre chica o chico desgraciado y reirte de ese americano sentado desnudo delante de su ordenador. Miles de historias humanas fragmentadas y fugaces que al poco tiempo desaparecen.

En definitiva una obra que auna lo extraño, lo inquietante, en definitiva lo sobrecogedor, en una obra en la que el arte conceptual cobra sentido pleno y deja de ser un entelequía.

Mark Hansen Ben Rubin Listening Posts

Jonny Lang: Cuando el blues estuvo en manos de un adolescente

Corría el año 1998 y un buen amigo me recomendó un CD, y como me constaba que en materia de blues había poco que objetar a sus opiniones le pedí que me lo cediera durante unos días. Literalmente me quedé helado, ese adolescente de 17 años recien cumplidos tenía la voz, las hechuras y la técnica del mejor bluesman que se podía escuchar entonces.

Nacido en 1981 en las frías latitudes de Fargo, Dakota del Norte, y con sólo 12 años empezó a tomar clases de guitarra con Ted Larsen de Bad Medicine Blues Band a los 15 años y pocos meses después, incluso la banda había cambiado el nombre por el de Kid Jonny Lang & The Big Bang.

La apariencia de un rubiato “redneck” de North Dakota, de borrachera adolescente, highschool y cine de verano nada tenía que ver con lo que pude escuchar. La voz de un viejo bluesman, temas potentes muy eléctricos y una técnica absolutamente envidiable. “Lie to me”, el primer trabajo en solitario de este joven bluesman era sencillamente magistral y es el tema que os traemos en este post.

Lie to Me que fue aclamado por la crítica y con él que consiguió varios discos de platino. Su siguiente trabajo (que también compré), Wander This World, salió al mercado en  octubre de 1998 y logró una nominación a los  Grammy. A este le siguió Long Time Coming en octubre de 2003, un álbum más íntimo y conmovedor. Lang versionó también el tema “Dying to Live” de Edgar Winter, una buena influencia donde las haya para cualquier bluesman. El tejano albino murió hace poco tiempo, pero obviamente su influencia perduró entre otros en J. Lang. Su trabajo  con una gran influencia de la música góspel, Turn Around, salió a la venta en 2006, y con él ganó su primer premio Grammy.

Durante más de diez años en la carretera, Lang ha compartido escenario con los Rolling StonesAerosmith, , B.B. King, Jeff Beck, y Sting entre otros. En 1999, fue invitado a tocar en La Casa Blanca, en una audiencia para el entonces presidente Bill Clinton y su esposa Hilary Clinton.

Aunque ya cuenta con 33 años esperamos que os guste e impacte este video cuando el bluesman contaba con apenas 17 años.  Saludos desde el territorio tóxico

Jonny LangDiscografía:

  • Smokin (como Kid Jonny Lang & The Big Bang) – 1995
  • Lie to Me – 1997
  • Wander This World – 1998
  • Long Time Coming – 2003
  • Turn Around – 2006
  • Live At The Ryman – 2009
  • Fight For My Soul – 2013

¿Todo vale en Publicidad? El lado oscuro de Red Bull o el Marketing “SIN” Principios

Vaya este post en homenaje a queridos amigos fallecidos hace tiempo en eso que mi amigo y alpinista Narciso de Dios hace ya muchos años en la primitiva revista Desnivel denominaba como adictos a la adrenalina. Javi en La Aiguille du Dru alpina, Rafa tragado por una grieta en el Everest, Joaquín despeñado desde una de las cimas de los costillares de la Serranía de Contreras, y algunos más.

Pero todos estos malogrados compañeros de actividades que, reconozcámoslo sin ambages, llegan a entrañar un riesgo real, eran deportistas en su sentido más estricto, atletas que debido a diferentes causas perdieron su vida haciendo aquello que más amaban. Pero quede claro, nunca lo hicieron por dinero, nunca pusieron su vida en almoneda, virtud a contratos publicitarios en campañas bastardas de compañías discutibles y discutidas tanto por sus campañas como por los peligros, que al parecer, entraña el consumo (ellos dirán que abusivo) de refrescos que no son más que gaseosa con cantidades inmensas de cafeina. Ellos fueron héroes a su manera, pero y compañías como RedBull, ¿Qué son en concreto?

La compañía austriaca se ha apañado un lugar de privilegio en el visionado de videos de YouTube, donde ahora, ese valor, adiestramiento y dedicación que entrañan estas actividades se ha tornado en la visión enfermiza que del riesgo tiene la compañia. Algunos los han acusado de ser el mayor representante del cinismo y la perversión del marketing de eventos.

Ueli Gegenshatz muere saltando en un salto base suicida desde la Torre Sunrise de Salzburgo en el evento que introduce a RedBull en el mercado de la telefonía móvil. Toriano Wilson, con sólo 14 años, muere en una carrera motociclista al igual  que Eigo Saito, motorista freestyle. Caleb Moore sufre heridas mortales en un espectáculo de RedBull con las motos de nieve como protagonistas. Eli Thompson, saltador base californiano muere en otra filmación de la compañía.

Quizá el mayor cinismo por parte de la compañía fue la presentación de la película protagonizada por Shane McConkey, esquiador extremo, que se presentó en la Berlinale. El affiche de la cinta presentaba la foto del esquiador con el lema, “´sólo tienes una vida, vívela”, lo que no decía es que el deportista murió durante la filmación. Incluso la compaía llegó a celebrar la muerte de Sean.

Curiosamente todos los videos que muestran la muerte y graves heridas de los atletas son retiradas rápidamente por la compañía de la plataformas públicas de video como YouTube.

¿Merecen la pena y el precio pagado la venta de 5200 millones de latas que la compañía vendió en 2011? Yo personalmente creo que no. Quizás debamos los que nos dedicamos al mundo del marketing volver nuestra vista a esta enfermiza visión del riesgo, ejecutado por dinero y como en muchos otros campos volver a un “Marketing de Principios”.

Un buen documental de Helmar Buechel que da que pensar y que esperamos que nos haga reflexionar y distinguir a los deportistas convertidos en suicidas a plazo simplemente por dinero de aquellos héroes anónimos de los que hablaba al principio de este post.

 

Black Rebel Motorcycle Club (BRMC) “Beat the Devil´s Tattoo” Lo indie por excelencia

Hoy os traemos una banda de San Francisco que de alguna manera representa lo mejor del Rock Indie.

“A union of government and religion tends to destroy government and degrade religion”

-La unión de gobierno y religión tiende a destruir el gobierno y degradar la religión- BRMC

Etiquetados dentro de la corriente New Rock Revolution, entre los que destacamos también a  The Strokes  siguieron un camino propio para distinguirse musical y estéticamente de las bandas al uso a principios del siglo XXI.  A partir de su álbum Take Them On, On Your Own, se implican ideológicamente con temas  como “Generation” y “US Government” en el que critican abiertamente a George Bush y la política norteamericana asociada a este mediocre líder mundial.

Sus primeros dos trabajos se pueden asociar a un estilo  punk rock, Rock Alternativo y Garage  con influencias de Iggy Pop and The Stooges, Ramones, The Doors y  Sex Pistols  con temas más suaves, psicodélicas y groovy.

Para su tercer trabajo, eligieron desarrollar un sonido que vuela entre el blues, el folk, el gospel y el rock, conservando aún su original y triste punto de vista sobre el mundo que les ha tocado vivir. Las influencias literarias de la banda incluyen a la generación beat, particularmente Allen Ginsberg. Ésto lo podemos ver en el tema Howl , que es a su vez el nombre del trabajo más celebrado de Ginsberg.

Ha habido varias formaciones en la banda formada por Peter Hayes ( guitarra, bajo, voz), Robert Levon Been ( guitarra, bajo, voz), Leah Shapiro ( batería, 2008 hasta hoy), Nick Jago (batería, 1998-2004, 2005-2008), y Peter Salisbury (batería durante la gira de 2004).

BRMC - Black Rebel Motorcycle Club

 La discografía, con los altibajos propios de una banda genial se puede consultar en la página de ALLMUSIC, página muy recomendable donde podremos bucear en todos los detalles del trabajo de la banda californiana. Con el trabajo Baby 81 llegaron al número uno de la listas “Top independent albums”. No hay más palabras, aunque se podría hablar mucho más de una banda como ésta. Os dejamos con uno de los temas que más nos gustan de BRMC.

Esperamos que os guste

 

 

“The End” la historia de una canción legendaria -The Doors

The End es una canción de los Doors, el tema que  cierra álbum debut titulado como el mismos grupo, The Doors.

Es una de las primeras canciones legendarias de la banda, en la que Jim Morrison cuenta «una triste despedida». Acostumbraban a tocarla en sus presentaciones en bares y clubes nocturnos, donde siempre cambiaba la última estrofa de la canción.

En 1969, Morrison declaró lo siguiente:
“Cada vez que oigo esa canción, significa algo más para mí. Comenzó como una simple canción de despedida …Probablemente sólo a una chica, o podría ser un adiós a una especie de infancia. Realmente no lo sé.Creo que es  tan suficientemente compleja y universal en su idisoicracia, que podría ser casi cualquier cosa que quieras que sea”.
En el minuto 12,  la canción deriva en una parte hablada, “El asesino se despertó antes del amanecer …” Esa parte de la canción llega a un clímax dramático con las líneas ” Padre / Sí, hijo? / yo quiero matarte / Madre, quiero … (Con las siguientes palabras gritó algo ininteligible)Esto a menudo se considera una referencia al complejo de Edipo . La letra se fue concretando en el libro de Frederick Nietzshe “El Nacimiento de la Tragedia”. Jim fascinado por la leyenda de Edipo Rey, quien engaño a la esfinge, mato a su padre (sin saber que era él) y se caso con la mujer de éste y al final descubrió que era su madre,
Ray Manzarek, el exteclista de The Doors, explicó: 
“Estaba dando voz en una canción de rock & roll, a la recreación del complejo de Edipo, no estaba diciendo que quería hacerselo con su propia madre ni nada parecido.. Fue teatro! “
Una estrofa y una frase, quizás confecionadas también en cierta forma junto al Lsd,que invadía su cuerpo de manera habitual , provocaron reacciones en el público de muy distinta índole.En la autobiografía de John Densmore Riders on the Storm, recuerda cuando Morrison explicó de nuevo el significado:
“En un momento Jim estaba llorando, y gritó en el estudio, “¿Alguien me entiende?” . Y le dije que sí, que yo lo hago, y en ese mismo momento entramos en una larga discusión, Jim seguía diciendo…matar al padre, se reduce a esto, matar a todas esas cosas en ti mismo, que te han inculcado, que no son tuyas, son conceptos ajenos que no vienen de ti mismo y deben morir.Joder a la madre es muy básico, y significa volver a la esencia, a lo que es la realidad, no la interpretación de los hechos. Así que lo que Jim dice al final de la canción, es que hay que matar a los conceptos ajenos, volver a la realidad, al comienzo de los conceptos propios no los inculcados” 
Jim Morrison The Doors

Esto fue demasiado para el dueño del “Whisky a Go Go”, bar donde actuaban regularmente, que eliminó a la banda del cartel del Club, pero en ese mismo instante el dueño de Elektra Records (Jac Holzman), que se encontraba en el local, les ofreció un contrato.

Los llevo al estudio de grabación. Para grabar la canción fue otro desmadre ya que Jim llegaba ahogado en acido y alcohol… y lo único que hacia era repetir esa parte de la canción “… mata al padre, fóllate a la madre…”, hasta que después de algunos días Jim llego sobrio y de buen humor, adopto su actitud shamanistica y entro en una especia de trance, al fin se pudo grabar la canción.

El productor Paul Rothchild (produjo la mayor parte de los discos de The Doors hasta que se hartó de las borracheras de Morrison) cree que la canción habla sobre un viaje interior, y que el “kill the father” significa destruir todo lo que te controla, restrictivo y autoritario dentro de tu cabeza mientras que “fuck the mother” significa abrazar la libertad, lo que fluye libre y sin limites dentro de tu cabeza, idea que vuelve a enlazar la canción con la cultura india.

La parte del “blue bus” se puede ver como una referencia a la guerra de Vietnam pues ese era el nombre que recibía la llamada a filas.

Por último, The End, sirve como nexo de unión y da significado a las imágenes de la genial cinta de Coppola “Apocalypse Now, una recreación del clásico de Joseph Conrad “En el corazón de las tinieblas.

Apocalypse Now