m.theory.art: Nuevas maneras del arte contemporáneo para convertirse en un clásico

Publicamos en nuestro espacio íntimo y particular, y que por motivos que desconocemos sigue visitando más gente de la que podíamos suponer, una referencia a un nuevo artista al que llegamos a través de amigos, conocidos y redes. ¿Porqué? Es la pregunta del millón, ¿hay motivos concretos para ser impactado por una obra de arte? no lo creo aparte sea hecha a motivos ideológicos que veo bastardos y con poca relación con el arte en si mismo ( sea ejemplo el mejicano Diego Rivera o esos pseudoartistas del stalinismo más ortodoxo, la izquierda normalmente no ama el arte, lo utiliza, salvo honrosas excepciones , y esto solo es una opinión personal).

Pero ¿quién es M.Theory.Art? Para mi al menos es en parte una incognita. ¿Un nuevo artista?, ¿alguien que experimenta con nuevos medios para paradigmas innovadores y al mismo tiempo eternos?,¿ un estudiante de un prestigioso departamento de  arte de la universidad de Arnhen en Holanda?, ¿un amigo de mis amigos y por extensión amigo mio?,¿ pintor?, ¿escultor?, ¿músico?, ¿performer? Mi opinión todavía no está demasiado formada porque me niego a cometer errores en base a mi propia ignorancia, pero mi primera impresión es la de una especie de Dejavú renacentista.

Puesto en contacto con M.Theory.Art (desconozco su patronímico, es celoso por ahora de su intimidad) la sensación es ambivalente y de alguna manera me recuerda la actitud de algunos de los grandes del arte contemporáneo. Un soñador realista, un trabajador del arte (que la inspiración nos pille siempre trabajando) y alguien que de alguna manera me trae recuerdos de artistas que me marcaron profundamente como Giacometti, Chirico, Magritte, ese punto urbano que solo tiene el artista callejero auténtico, ¡Ah Bastiak, ¡cuánto te echo de menos! pero esta vez no hay imitación , derrotas o querencias, hay un camino auténtico, genuino, original, una estética fácilmente reconocible, de alguna manera me siento delante de uno de esos iluminados que con el tiempo será de esos artesanos de la belleza y el conocimiento (me gusta mas que artista) que solo con ver una de sus obras por el rabillo del ojo son reconocidos con absoluta seguridad ( nadie que ame el arte se equivocaría en la autoria de un Chirico o un Goya- salvedad sea hecha con las falsificaciones).

independientemente de los gustos del que escribe podríamos diferenciar tres grandes líneas:

-Las primeras obras, simples en su factura pero enormemente complejas en su simbología según lo entiendo yo, desde simbología religiosa hasta ojos que ocupan toda la atención del espectador, tendencias al Arte Urbano, inconformismo y búsqueda de un universo mágico.

-Los dibujos, en color y en blanco y negro que apenas han salido a la luz pública. Dentro de la obra gráfica los trabajos que mas me llaman la atención , donde la complejidad, el simbolismo y una estética underground, que en algunos casos recuerda los retorcidos trazos de artistas de los 80 como Nazario y otros. Estética que en algunos casos recuerda la de Escher y que en otros casos se acerca a un expresionismo figurativo. se aprecia en estos trabajos la evolución , la experimentación, la búsqueda de un camino propio. Serán trabajos muy buscados en el futuro.

-Añado por la importancia de su factura una última época que se desarrolla en la actualidad como diferentes trabajos de corte universitario en que lo conceptual no se limita a los límites habituales sino que incluso la obra en su concepto puede cambiar dependiendo de la actitud, sensibilidad y motivación del espectador, explorando nuevas fronteras del arte, que el propio artista afirma pueden causarnos dudas y temores.

Podemos destacar la serie Metaobjetos, proyecciones futuras del autor donde afirma:

«An approach to other dimension trough objects. This series is focused on interior Design furniture art as a new common language on the future, where the IoT and the Ai rules the world. Art is the only scape apart of drugs and money. This new contemporary new media is scary in our minds but maybe is possible to acquire new perspectives on the human thought process.

(Un acercamiento a otra dimensión a través de los objetos. Esta serie esta enfocada como una construcción interna entendida como un nuevo lenguaje común en el futuro, donde la inteligencia artificial regirá el mundo. El arte es la úrica manera de escapara aparte de las drogas y el dinero. Estos medios ultracontemporáneos están por ahora en nuestras mentes pero es posible adquirir nuevas perspectivas sobre el proceso humano del conocimiento).

Debajo de estas líneas dejo para los lectores más interesados tres proyectos a futuro que seamos realistas, estan dentro del grupo de conceptos más avanzados e innovadores que podemos encontrar en la actualidad. Dejo el texto en el original inglés (con el permiso expreso del artista)porque no quiero provocar pérdidas de significado en la traducción:

«-The first object of the serie is the A S T R A L R E A D E R. A catalyser for your dreams where you can record and induce the astral projection thanks to the incoming technology. Quantum computing maybe can fix this physical problem and connect us to machines that are actually only reading our environment making maths on the back for the equilibrium. This problem can also be reached thanks to the Artificial Inteligence and In the future could be really curious to see the neuronal network taking data of the heart beat and moving on the bed as an input for the output of the digital visual on the display.

-This drive my feelings to the second project, a digital heart connected to the cloud. This looks more like a linear metaphor but in the centre we can reach the pure soul full of code and evolutional program. The clouds are with a brain form making a no verbal connection with the heart searching for the path of each individual. Is setting down on the sea of floating and in this sea we can see different messages in paper. (For this I would like to use resin for a better result). For the interaction and awesome result of this project is possible to use a webcam on the centre of the heart and in the cloud a lo-res small display. Is called “C O N N E C T E D”.

-Also I like to play with the user. He can record but can not see it on live. Or maybe is more interesting that this dream state can be only experienced by a third person. So for this another sculpture would take last place, “N A K E D S A P I E N S” . We can see a cartoonish look of a man with his back completely bend in to the back and the head pointing to his ass.

Completely faceless, white the colour is found on the trousers with a heart pattern. In the base we can feel the static animation game of sight. The man is static but a little animation will be displayed.

The meaning behind this piece is the infinite run away of the ego, In the face, searching for nothing. Also in the hand we can see one hamburger with dollar bills between the bread. Symbolizing the consumerism I want to speak loud about the terms and conditions of this our reality. Opening a new window to the world connecting hearts and brains with a universal language that is the visual connection.»

Nos queda hablar de su faceta como músico electrónico y performer, cómo camina a convertirse en un artista total donde las obras participan de lo visual, el sonido, el símbolo, en dos o tres dimensiones y como una llamada de atención a un espectador que el artista quiere comprometer y convertir en parte de la obra misma. En definitiva un paso mas allá de lo conceptual.

Instagram   @m.theory.art

Pinterest  m.art.theory: el nuevo arte contemporáneo

 

Las galerías virtuales ya en Pinterest

Ya desde algún tiempo tenemos la necesidad de agrupar en galerías virtuales donde poder contemplar con cierta calidad imágenes que nos gustaría ver en una galería real. También debido al enorme peso que tiene sobre la página la presencia de todas ellas en el blog ralentizando su rendimiento hemos decidido desde Territorio tóxico llevarlas directamente a Pinterest que es una plataforma ideal para verlas, al mismo tiempoque posibilita la interacción con los visitantes. Por supuesto que se admiten sugerencias de inclusión de nuevass imágenes en las galerías.

A continuación os indicamos las galerías con el enlace dirigido directamente al tablero correspondiente de Pinterest.

  W. Eugene Smith American Photographer from Magnum

  Grandes de la literatura norteamericana

Banksy Palestina – Muro de la vergüenza

Sephard Fairey -OBEY- Galería virtual

POP ART

Edward Hooper

Grandes del LAND ART

Gil Elvgren

Duane Hanson: Escultura hiperrealista

Willian Turner: El Genio de la luz

 

Willian Turner, el artista y el color

Willian Turner, nacido en Covent  Garden en 1775, es uno de los artistas que mejor representa la evolución desde las formas más clásicas hasta obras que en concepto no sería difícil encontrar en corrientes contemporáneas, a pesar de haber sido realizadas entre finales del XVIII y primera mitad del XIX.

GALERÍA VIRTUAL DE WILLIAN TURNER

A Willian Turner se fue dada una dilatada carrera de producción continua con más de 60 años de trabajo ininterrumpido con más de 19.000 dibujos y bocetos encontrados en su estudio a su muerte.. Las láminas que el joven dibujante hizo hacia 1790, a fines del rococó, nada tienen que ver con las geniales tramas de colores pintadas por el artista maduro a mediados del XIX, surgiendo poco a poco una imagen de la naturaleza nunca antes concebida por otro pintor. Incluso quien hoy día contemple sus cuadros creerá ver el mundo de la luz y el color por primera vez. En 1843 escribió: «Todo el efecto de la pintura descansa en cuanto a la técnica, sobre nuestra capacidad de recuperar ese estado que pudiéramos llamar la -inocencia de los ojos-, ese modo de ver infantil que percibe las manchas coloreadas como tales, sin saber lo que significan, tal como las percibiría un ciego al que repentinamente le hubieran devuelto la vista».  Y repite: «No lo pinte para ser entendido- respondió Turner a la demoledora crítica hecha a uno de sus cuadros tardíos más importante-sino porque quería ,mostrar como luce semejante espectáculo».

No es una obra fácil de entender. Los cuadros de Turner son imposibles de reproducir. Incluso las mejores reproducciones no hacen más que acicatear la curiosidad de ver el original. Las veladuras incomparablemente finas, lo fugaz o lo pronunciado de la línea, todo ello sólo puede apreciarse viendo el objeto material- el papel del boceto, preparado sólo parcialmente y luego rascado con la uña del pulgar, doblado a propósito y luego vuelto a desarrugar y que con frecuencia Turner había traído enrollado en el bolsillo de su abrigo.

Su talento fue descubierto tempranamente y sus padres, peluquero él y su madre fallecida prematuramente, los primeros dibujos de su hijo de 12 años eran exhibidos por su padre en el escaparate de su negocio…y los vendía. En 1790 fue aceptado en la Royal Academy a título de prueba, exhibiendo su primer cuadro al año siguiente. Una carrera fulgurante, a los 17 años visita las clases de dibujo al desnudo, al año siguiente recibe la «Greater Silver Palette» como premio a sus paisajes, a los 21 años pinta su primer óleo y en 1799 es elegido miembro asociado de la Academia. Tres años más tarde llegará a ser socio de número y pasa a formar parte de la presidencia. En 1807 le es otorgada en reconocimiento de sus méritos la cátedra de perspectiva, aunque Turner dejó pasar años enteros antes de empezar a dar sus lecciones.

A partir de 1792, después de la aparición de sus primeras obras comienzan a aparecer compradores, mecenas, patronos como Sir Colt Hoare, que le encargó los dibujos de la ciudad y la catedral de Salisbury, un fabricante de acero le pide una reproducción de su planta industrial. Conoce a Walter Ramsden y al tercer Earl of Egremont, quienes después lo invitarían a sus casas de campo, donde tal vez el artista pasará los días más felices de su vida. Sobre todo el castillo de  Lord Egremont, Petworth House  llegará a significar para Turner, en su vejez, un verdadero refugio. Y ya empezaba a ser conocido fuera de Inglaterra, en Alemania y Francia eran conocidas y apreciadas las viñetas que dibujó para las obras de Walter Scott, Lor Byron y Samuel Rogers.

Animado por el doctor Thomas Monro, quien siempre tuvo interés en alentar a jóvenes de talento,estudió a los 19 años las obras maestras de la pintura de paisajes, hará series completas de estudios al estilo de Richard Wilson y C.J. Vernet. Los intereses del joven Turner dejan reconocer la huella dejada por las reflexiones de Burke sobre lo bello y lo sublime. La pintura de paisajes ha de representar lo ilimitado, lo grandioso, lo heroico, la naturaleza agreste y hostil ante la cual el hombre se llena de miedo y admiración. En 1799 Turner tendría un encuentro decisivo con la obra de Claude Lorrain. el cuadro «Un puerto marítimo» lo conmovió hasta las lágrimas.

La Paz de Amiens, firmada en 1802, tuvo como consecuencia que Turner pudiera empezar su periplo por el continente. Muchos artistas ingleses, salieron entonces con rumbo a Europa. La primera parada en su viaje la hizo en Suiza, allí conoció un paisaje completamente nuevo para él y una naturaleza que por entonces todavía resultaba infranqueable en muchos aspectos. En Francia estudió con detenimiento las obras de Poussin, Ticiano, Rembrandt y Salvatore Rosa, estudiando especialmente la distribución de los colores.

Una de las características de las lecciones de Turner era la amplitud con que trataba el problema de dar forma al fondo de la escena pintada. Turner daba preferencia a los problemas teóricos fundamentales. Su auditorio al principio interesados, terminaban por aburrirse. Puede decirse que uno de los rasgos característicos de su obra es el haber puesto en entredicho, en sus cuadros tardíos, todas las reglas de la perspectiva, con excepción hecha  a los efectos del color, en realidad fue el primero, antes de Cezanne, en superar las reglas de la perspectiva científica.

La asombrosa cantidad de bocetos dejada por Turner no ha sido estudiada todavía en su totalidad. Al pasar revista a las láminas conservadas en la Tate Gallery, el espectador no acierta a salir de su asombro. La mayoría de los dibujos se encuentra en los álbumes de dibujo que siempre llevaba consigo cuando iba de viaje. Hay desde dibujos realizados al detalle, hasta esbozos de claroscuros ejecutados espontáneamente. Al dibujar sus bocetos Turner no se limitaba a usar lápiz o tinta. Tiza, extracto de tabaco, color para acuarela y pintura ala aguada fueron también empleados por él. En no pocas ocasiones utilizó papel coloreado, gris, marrón y azul. En la obra tardía de Turner la trama de colores nos acerca a la sensación de vastedad, cuanto más tiempo se contempla, tanto mayor es el número de interpretaciones.

Turner solía llevar una vida retirada, lo que se acentuó con la edad. Incluso llegaría a mantener en secreto sus señas y a usar como persona privada el nombre de Admiral Booth. No mantenía relaciones ni con sus dos hijas naturales ni con la madre de ellas. Tras la muerte de su padre, la vida diaria de Turner adoptó cada vez aspectos más grotescos. Sólo unas cuantas personas tenían acceso a su galería privada. Su excentricidad le servía de protección. Quien no le conocía pensaba que estaba loco. Otros referían sus finas dotes de observación, su interés por los niños, su cáustica ironía. A menudo era objeto de burla. Él mismo, sin embargo, muy rara vez comentó estos hechos. Incluso a la entusiasta defensa de John Ruskin hizo de su arte, se refirió a ella sólo en contadas ocasiones y siempre de pasada.

No se encuentran casi autorretratos en la obra de Turner. La única excepción la forman unos esbozos hechos en Petworth y parecen haber interesado más la descripción de sus semejantes, poniendo de relieve la inserción de éstos en su mundo cotidiano. Resuelta sintomático, el hecho de que al pintar figuras humanas las haya trazado de modo esquemático, en combinación con el entorno y sin fijar dentro de la escena del cuadro, las figuras dan la impresión de estar moviéndose calladamente.

Otro rasgo interesante de este artista viene dado por el permiso que tenían los artistas desde 1798, para ilustrar el sentido de su obra de citar en el catálogo poemas u otro tipo de textos. Turner aprovechó esta circunstancia ampliamente y compuso él mismo versos que comentaban sus propias obras. Su desarrollo ulterior, pone de manifiesto que el comentario necesita en la misma medida que el cuadro de una interpretación. A menudo los versos tardíos producen la impresión de haber sido compuestos teniendo a la vista la obra concluida, como si Turner hubiera querido expresar con palabras lo que había experimentado a través del cuadro.

El estudio de las propiedades de la luz ocupa un lugar preponderante dentro de la obra de Turner. Siempre se interesó por estudiar los efectos atmosféricos de la luz. Llegó a analizar en sus cuadros los mismos problemas estudiados por Goethe en la «Teoría de los colores». En realidad, el tema es la condición en virtud de la cual la luz misma puede ser objeto de una percepción visual. Turner pintó varias veces el mismo paisaje a distintas horas y en distintas estaciones del año, los innumerables crepúsculos y amaneceres, así como todos los estudios de los efectos de los colores en la atmósfera, no tenían otra finalidad que el análisis de este fenómeno natural. Hizo surgir el mundo visible a partir de la interacción de los colores.

Para Turner «Lo supremamente sublime no puede existir sin enigma» . Lo que los críticos la reprochaban repetidas veces a Turner, fue  considerado por John Ruskin, ya entonces, como el verdadero méritos de su pintura. Independientemente de los avances de la ciencia, la ilimitada magnitud de la naturaleza siempre será un enigma para el hombre. Turner se parto finalmente de la precisión de sus primeros paisajes. Su estilose tornó impreciso, y sus temas dejaron de ser claros.Pero en esto, no hay que ver ningún defecto,sino que se trata de la expresión adecuada de la insondablidad del mundo. Lo equívoco trae consigo una riqueza de aspectos que hace inagotable la interpretación de la obra de arte. No obstante, los cuadros de Turner adoptaron a partir de 1830 un carácter extremo; cada vez con más frecuencia pintó cuadros que parecían evadir toda interpretación definitiva. La obra de Turner resulta enigmática en la última parte de su vida. Y el color es el protagonista.

Turner celebró su última exposición en la Royal Academy en 1850 y en 1851 moría en su casa de Chelsea un 19 de Diciembre. Con Turner la vanguardia racional del arte llegó 50 años antes. Esperamos que os guste la galería virtual y el tablero que habilitamos en Pinterest.

Jonás Fernández o del arte con mensaje y dignidad

Jonás Fernandez es el protagonista de este post, que como muchos otros va a tratar sobre otro autor, en este caso muy joven, que con sus obras nos hace pensar en la motivación del autor y en definitiva de la propia motivación del espectador ante una obra que muestra unidad estética y le invoca a la reflexión sobre la obra.

Una visión propia donde la muerte y el tiempo son los ejes del trabajo del artista argentino. Cerca del expresionismo o neoexpresionismo si nos ajustamos a las críticas sobre sus muestras de alguna manera me ha recordado si no totalmente la obra del neoyorkino Basquiat si la sensación de que su  obra sale de la refexión pero también de las tripas que al fin y al cabo representa visceralidad que es puro y llano reflejo de compromiso con el propio estilo y sinceridad con el espectador.

Colores primarios para mensajes que golpean al espectador, obra sin concesiones creada en base a tonalidades y colores primarios, técnicas muy cercanas al collage donde la viveza de los colores contrasta con fondos oscuros, mensajes tan contradictorios como la muerte y el tiempo recurrentes en la obra de Jonás Fernández.

Formado en la Escuela Provincial de Bellas Artes de Mendoza sus formatos van creciendo al mismo tiempo que las inquietudes del pintor. Tecnica Mixta sobre madera, acuarela, bolígrafo, grabado, e incluso tiza sobre pizarra forman un corpus que mantiene una inquietud común que nos transmite con fuerza.

Un valor a tener en cuenta. Publicamos en la barra lateral galería virtual con algunas de las obras que más nos han gustado del artista argentino. Esperamos que os guste y que no pase mucho tiempo para poder verlo en el viejo continente europeo, ahito de aburrida impostura y sedienta de sangre nueva con nuevos desafíos. ¡FELICIDADES JONÁS!

BLOG DE JONÁS FERNÁNDEZ

La escultura Hiperrealista de DUANE HANSON: La desilusión del sueño americano

GALERÍA VIRTUAL

Hoy os traemos en este post la obra de Duane Hanson, escultor hiperrealista norteamericano originario de Minnesota (1925-1996), el cual retrató detrás de las miradas perdidas de los personajes de sus obras una cierta desilusión por el sueño americano. Emparentado con el Pop Art, es el más conocido representante de la escultura hiperrealista y un experimentador notable con nuevos materiales como la resina, la fibra de vidrio, el bondo (material utilizado en la industria de la automoción) y el siempre eterno bronce policromado con extraña maestría.

Estudió en la Universidad de Malacaster donde obtuvo la maestría en la Academia de Arte de Cranbrook en Bloomfields, Michigan en 1951. Desde 1953 a 1960 vivió en Alemania donde comenzó a trabajar como profesor y donde empezó a experimentar con algunos materiales sintéticos, volviendo a los Estados Unidos para dar clases de arte en Oglethorpe en la Universidad de Atlanta.

Sobre 1966 Hanson comenzó comenzó a usar en sus esculturas fibra de vidrio y vinilo, en muchas ocasiones agrupadas en conjuntos escénicos («Almuerzo»). Usualmente al principio de su carrera retrata temas caracterizados por la violencia y sus consecuencias brutales. ejemplos de esta tendencia temprana serían obras tan terriblemente explícitas como «Abortion», «Accident», «Vietnam Scene», etc.

Abortion (1965), la primera escultura, fue una cruda muestra de lo que el artista buscaba transmitir y comunicar. La obra muestra a una mujer que yace cubierta por una sábana blanca tras haber sufrido un aborto ilegal. Este trabajo denunciaba el hecho de que muchas jóvenes desesperadas por su situación recurrieran a la práctica de abortos ilegales. Hanson pretendía concientizar a la sociedad sobre el riesgo que suponía para sus vidas. Fue una obra muy discutida y criticada.

Uno de los puntos de inflexión a lo largo de su trayectoria fue el descubrimiento, en el año 1957 y de la mano de George Grygo, de la resina de poliéster y la fibra de vidrio. Más tarde comenzaría a utilizar el policloruro de vinilo, la resina epoxi o el bronce, que utilizó por primera vez en 1979.

En 1967 cuando conoció al escultor George Segal, que aplicaba escayola a modelos vivos, Hanson descubrió su metodología para trabajar. Utilizando el vaciado en escayola, para ser moldeadas después en fibra de vidrio, polivinilo, bronce o resina epoxi y pintadas a mano. Arrugas, celulitis, manchas, edemas, y otras imperfecciones propias de la edad adquieren una realidad total, especialmente en las manos en las que se transparentan venas superficiales y algunas manchas. Incluso pueden apreciarse pliegues de rodillas y muñecas.

La técnica usada por Hanson se centra en personajes anónimos característicos de la sociedad americana, donde el realismo alcanza cotas tales como que nos podamos sentar tranquilamente en un banco al lado de un aciano sin sospechar en un primer momento que se trata de un bronce policromado y no un ser humano real. El realismo de las fiiguras se ve acrecentado cuando Hanson viste a sus figuras teatralmente con ropas de segunda mano y en actitudes cotidianas.

A partir de los 70 del siglo XX Hanson se centra en personajes cotidianos que en un segundo plano pueden sugerir una potente crítica social al «american Way of Life» que retrataban los mass-media de la época, y podrían ser vistos como modernos paralelos a artistas del realismo francés como Daumier y Millet, artistas admirados por Hanson.

Mientral que al principio de su carrera las obras parecen contenidas espacialmente como es habitual en el espacio museístico, en sus últimas esculturas no parece haber límites definidos que separen la obra del espectador con resultados sorprendentes, e incluso inquietantes. Aunque algunos de sus detractores comparan sus obras con la de un museo de cera, el contenido de sus esculturas es más complejo, expresivo y sorprendente para el espectador.

En el verano de 2008 tuve la oportunidad de visitar con mi hijo en la Fundación Canal, en la ciudad de Madrid, la retrospectiva del precursor  norteamericano del movimiento hiperrealista.

Hanson lleva la desilusión del sueño americano al espectador personificando la encarnación de la paradoja americana, las diferencias entre esa hiperrealidad perfecta y lo que auella sociedad produce. Es una reflexión críutica acerca de las consecuencias que acarrean los deseos que la moderna sociedad de consumo estimula pero que rara vez satisface. El «American Way of Life» tiene grietas y Hanson se asoma a esos defectos para contar con precisión milimétrica lo que ve.

Los modelos elegidos por Hanson corresponden a gente corriente, el tipo de personas de las nunca nos acordaríamos, y que constituyen la mayoría de la sociedad. La intención del artista es conmover al espectador, hacerle sentir empatía y compasión por el personaje. Por tanto las figuras habn de ser creibles, pero finalmente con sus ojos mirando a la indefinición muestran que están distanciados y pertenecen al mundo de la representación. Hanson debe ir más allá de la realidad para obtener un efecto hiperrealista.

Por desgracias este tipo de exposiciones no son muy frecuentes en nuestro pías y de ahí nuestro agradecimiento al la Fundación Canal por traernos estas muestras, por desgracia, muy poco frecuentes en España. Es un placer ofreceros en el área lateral del blog una galería virtual con algunas de las obras más conocidas del artista de Minnesota

«LISTENING POST»: La inquietante unión de arte e Internet

El 27 de Junio de 2008 a instancias de mi hijo nos acercamos a una gran exposición en el Centro de Arte Reina Sofía. Una experiencia enriquecedora donde el arte digital junto a los nuevos medios nos hicieron pasar uno de los momentos más memorable en una instalación de este tipo. Las sensaciones fueron de todo tipo y variaban de una obra a otra dependiendo del concepto utilizado en dicha obra; desde los ferrofluidos de Sachiko Kodama a la magia de las luces de Paul Friendlander, pasando por la «inquietante» obra digital de Hansen y Rubin. Esta última obra, «Listening Post»  es la que ocupa este artículo, ¿por algún motivo concreto? En absoluto, pero si puedo decir que fue la obra que más nos impactó por la unión del mundo virtual de las salas de chat con lo que deberíamos catalogar como arte conceptual. Nunca el arte fue algo más orgánico, vivo, si queremos decirlo así.

Todo empezó cuando el artista neoyorkino Ben Rubi y el profesor de estadística de la Univerdidad de California en Los Ángeles (UCLA) Mark Hansen empezaron unidos a explorar la creación de sitemas que visualizaran los procesos y dinámicas subyacentes a Internet. Esto es «Listening Post», una obra de arte tecnológico donde sonido, internet y estadística se unen en un único e inquietante mundo.

La clave de la obra está en que los mensajes que se ven y se escuchan a su paso por la rejilla de 231 pantallas de fósforo verde provienen de una fuente directa de miles de salas de chat. Una instantánea del mundo conversando. Un monumento al presente capaz de comunicar realmente el alcance y la vaga naturaleza de Internet. El panel de pantallas lleva conectado un ordenador que recoge todos los mensajes publicados durante la media hora anterior en varios miles de chats de habla inglesa. Estos datos se ordenan en bruto conforme a las reglas de uno de los siete programas que Hansen ha desarrollado, mostrando los resultados en las pantallas, y como el torrente de datos es continuo, éste nunca se repite.

Todo empezó cuando Rubin conoció a Hansen en un encuentro entre investigadores y artistas en los laboratorios Bell (donde se desarrollaron el transistor, el láser, la teoría de la información y el sistema operativo UNIX). Empezaron con una serie de experimentos que consistían en buscar datos que pudiesen escuchar y un software que podía expresarlos en forma de sonidos.

«Empezamos sonorizando los datos a los que Mark tenía acceso, que eran los registros del sitio web de Bell Labs. Nos dimos cuenta de que los sonidos estaban bien, sí, pero en realidad no le interesaban a nadie. ¿Quién iba a querer escuchar eso?» (Rubin)

Hansen sugirió la idea de chatear y utilizar las palabras como fuente de datos.

El aspecto de pantallas suspendidas evolucionó a partir de la primera exposición en «The Kitchen», un espacio artístico experimental de Nueva York. Su intención era la de reproducir los sonidos con los que trabajaban en conexión con una fuente de chat en directo, pero repararon en el texto que fluía a través de las pantallas de sus ordenadores y se dieron cuenta de que la fuerza de la obra aumentaba al introducir un componente visual.

«Listening Posts» es una experiencia desconcertante e inquietante, una obra alojada en una sala oscura sólamente iluminada por el frío resplandor de las pantallas de fósforo verde. Hay siete movimientos ejecutados de forma sucesiva. El más complejo de estos movimientos exploraba los mensajes entrantes eligiendo uno aleatoriamente y analizando los mensajes entrantes subsiguientes el sistema buscaba otro que presentara similitudes, ya fueran palabras o grupos de palabras con el primero. Cuando lo encuentra, empezaba a trbajar en una pantalla adyacente buscando otro mensaje que continuaba a partir de éste.

Se da la circunstancia de que Hansen descubrió el accidente del transbordador espacial Columbia mientras realizaba el mantenimiento de la obra en la galería Whitney con tn sólo ejecutar el programa. Hansen descubrió que el mensaje «I am» era, con mucho, el comienzo más común de los posts. Ordenos estos mensajes por longitud y se los envió por correo electrónico a Rubin.  Sesenta páginas convertidas en un poema increible, segun Rubin. Los mensajes iban desde lo más inofensivo hasta lo descaradamente extraño, psando por lo extraño, lo doloroso o lo abiertamente ofensivo.

Mientras miras la obra y escuchas todoes estos fragmentos de conversaciones no se puede evitar extrapolar las historias,  sentir lástima por esa pobre chica o chico desgraciado y reirte de ese americano sentado desnudo delante de su ordenador. Miles de historias humanas fragmentadas y fugaces que al poco tiempo desaparecen.

En definitiva una obra que auna lo extraño, lo inquietante, en definitiva lo sobrecogedor, en una obra en la que el arte conceptual cobra sentido pleno y deja de ser un entelequía.

Gil Elvgren: cuando la publicidad se convierte en arte (y viceversa)

En unos tiempos en que la publicidad y el marketing en muchas ocasiones dibuja un panorama de escasa calidad artística y donde la creatividad se convierte en una palabra tan manoseada como las tetas de una puta vieja dedicamos este post a uno de los grandes artistas creativos que creó escuela en la meca de la creación publicitaria al otro lado del Atlántico: Gil Elvgren.

Se puede afirmar con seguridad y sin miedo a la contradicción que Gil Elvgren fue, y sigue siendo el mejor ilustrador de arte «Pin-up» que haya existido. Pero  ¿qué es el Pin-up?  Pues es un género de ilustración basado en imágenes de una chica en actitud sugerente o realizando una sonrisa, saludando o mirando al artista y que suele figurar en las portadas de revistas, cómic, portadas de libros o calendarios. Actualmente estas imágenes se han descargado de la connotación sexual explícita y sólo suelen estar prohibidads en los paises islámicos.

Desde 1930 a 1972 Elvgren produjo unos 500 cuadros de hermosas mujeres. La mayoría son óleos sobre tela muy elaborados, obras de arte completas por su calidad. A lo largo de años la influencia del artista se dejo sentir en docenas de artistas más jóvenes e ilustradores y artistas de la tradición Pop como Mel Ramos o el pintor fotorealista Jhon Kacere.

Aunque la mayoría de su trabajo estaba dirigido a un uso comercial, los marchantes de arte, los coleccionistas, las galerías y los museos lo han ido reconociendo como parte de las bellas artes. Y de hecho, a pesar de que Elvgren ha sido considerado principalmente como artista publicitario de pin-up durante la segunda mitad del siglo XX, la verdad es que merece el reconocimiento como ilustrador clásico americano cuya carrera incluyó muchos y muy distintos campos del arte publicitario. Gran parte de la fama que consiguió se debe indudablemente a sus hoy legendarias series de chicas Pin-up. Sin embargo, los 25 años dedicados al trabajo publicitario para Coca Cola, en su mayoría representaba a la típica familia morteamericana y a los típicos niños y jóvenes adolescentes, es decir a gente corriente que hacía cosas cotidianas. Los temas de Elvgren para Coca Cola representaban el sueño americano de una forma de vida segura y confortable, y en las décadas de 1940 y 1950 sus ilustraciones estuvieron presentes en campañas de McCAlls, Cosmopolitan, Good Housekeeping y Woman´s Home Companion. Además de su trabajo en Coca Cola, Elvgren contribuyó en campañas para Orange Crush, Schlitz Beer, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania y NAPA Auto Parts.

Elvgren compartió con Norman Rockwell su admiración por la línea pictórica de la Brandywine School. Ambos se conocieron en 1947 y entablaron amistad. Ambos tenían una extrema facilidad para retratar gente real en situaciones verosímiles. La diferencia estriba en que Rockwell podía escoger entre un abanico de motivos prácticamente ilimitado, mientras que Elvgren tenía menos margen de elección de cara a sus encargos de ilustraciones pin-up. Rockwell admiraba su obra y le envidiaba por su trabajo como dibujante. Su encuentro fue el comienzo de una larga relación, que incluso les llevó a compartir secretos artísticos durante sus encuentros. El arte del Glamour de la escuela de Gibson, Christie  Fisher y Hinter meister fueron estudiados con mucha atención por Elvgren.

Elvgren nacio en el invierno de 1914 y creció en Minneapolis donde sus padres tenían una tienda de pintura y papel pintado. Al acabar sus estudios de secundaria se dirigió a la universidad de Minnesota a estudiar arquitectura y diseño, pero a la vez acudió a las clases del Minneapolis Art Institute donde decidió que la creación artística encajaba más con su carácter que el diseño de edificios y aparcamientos.

Una vez casado se trasladó a Chicago donde se matriculó en la prestigiosa American Academy of Art. Su primer encargo pagado fue una portada para un catálogo de moda en la que aparecía un joven con una elegante americana cruzada y unos pantalones deportivos de verano. Elvgren pintó la obra al óleo sobre una tabla de ilustración sin firmar, tal como le habían ordenado desde la dirección artística de la empresa. Este trabajo le valió la felicitación del presidente de la empresa y el encargo de otra media docena de portadas. En 1938 recibió el encargo de un retrato de las Dionne Quintuplets, las niñas más famosas de América para el cliente Brown & Bigelow convirtiéndose en un éxito comercial de la noche a la mañana. En 1940 Elvgren se hizo con un puesto en el conocido  Stevens Gross Studio donde conocería a su mentor y admirado ilustrador Haddon H. Sundblom. Trabajando para este estudio Sundblom sugirió que Elvgren era el candidato ideal para encargarse del trabajo publicitario de Coca Cola, lo que significó un hito en la carrera del artista y 25 años de fructíferos trabajos considerados hoy legendarios en la historia de la ilustración publicitaria americana.

Despues del ataque a Pearl Harbour en 1941 y la entrada de Estados Unidos en la II Guerra Mundial, General Electric propuso  a Elvgren varios trabajos publicitarios de ámbito nacional para su campaña de «esfuerzo bélico». Las pin-up de Elvgren se reprodujeron en millones de anuncios de productos especializados y calendarios para animar a las tropas. Pero lo mejor estaba aún por llegar.

En 1944 empezó a trabajar para Brown & Biglow y en 1945 se le pidió una pin-up desnuda para la línea de 1946. Elvgren aceptó y la imagen se hizo tan famosa que se lanzó una edición epecial de una baraja de cartas ilustradas. Durante su trabajo con Brown & Biglow a Elvgren sólo se le permitió  pintar un desnudo al año. Sin embargo, dado que le gustaba pintar desnudos, de vez en cuando hacía alguno por puro placer. Hoy sólo se conocen unos pocos de estos óleos, entre ellos el de una maravillosa modelo asiática que Elvgren retrató echada en el sofa de su estudio.

Entre 1948 y 1949 Elvgren introdujo otra innovación en el campo de la publicidad con su abrecartas en forma de chica Elvgren, un abrecartas de plástico dentro de un envase plegable donde los clientes podían colocar su slogan publicitario en una pelota de playa que la chica sostenía sobre su cabeza.

Gracias al enorme éxito de las pin-up de Elvgren, Brown & Biglow se hallaba recogiendo una buena cosecha de nuevos clientes. En 1950, la empresa tenía cientos de clientes nuevos para publicidad de productos especializados con imágenes de Elvgren. El propio artista recibía ofertas de nuevas compañías y de las principales agencias de publicidad, pero simplemente no había tiempo suficiente para llevar a cabo ni tan sólo una parte del trabajo que se le ofrecía, llegando en 1950 a plantearse la posibilidad de abrir su propio estudio. No obstante, tras valorar los pros y los contras, incluidos los dolores de cabeza y la responsabilidad de dirigir un negocio a gran escala, sin mencionar la pérdida de tiempo que ello supondría para su carrera artística, Elvgren decidió abandonar la idea.

Elvgren era envidiado por muchos de sus colegas, especialmente los de la Society of Ilustrators de Nueva York. Para ellos Elvgren tenía un carrera de ensueño. Pintaba bellas mujeres todos los días mientras que ellos tenian que aceptar casi siempre aburridos encargos. Debido a su enorme popularidad tuvo la oportunidad de conocer a muchas figuras famosas como el actor Harold LLoyd, quien introdujo a Elvgren en la fotografía de color en 35 mm. en la que tuvo siempre un gran interés.

En 1963, se honró a Elvgren con la publicación de una única baraja de cartas llamada American Beauties publicada con la autorización de Brown & Biglow, esta baraja era la primera que contenía reproducciones de 53 imágenes pin-up de Elvgren, él fue el único artista de la agencia que tuvo este honor.

Despues de la muerte de su mujer y a lo largo de la década de 1960 su popularidad se mantuvo intacta. Había alcanzado la cumbre de su carrera, despues de 30 años como artista, y podía difrutar de tranquilidad suficiente como para no preocuparse por nada excepto por crear la mejor imagen posible. El resultado fue que sus pin-up de dicha década fueron las mejor cocebidas y pintadas y las de mejor acabado que había conseguido jamás. Refrescantes y magnéticas.

Respecto a la técnica de su trabajo, Elvgren usaba una paleta de 32 colores y lienzos de 76×71 cm. colocados en un enorme caballete de madera. Para pintar se sentaba en una silla con ruedas para poder desplazarse por el estudio y mirar como progresaba el cuadro desde todos los puntos de vista. Un espejo colocado en la pared a su espalda le permitía ver el cuadro por encima de su hombro.

Cundo se preguntaba a Elvgren qué rasgo de una modelo le interesaba más contestaba: «Una chica con rasgos faciales muy flexibles, capaz de una amplia gama de expresiones, es una verdadera joya. El rostro es la personalidad». Prefería modelos jóvenes cuyas carreras acababan de comenzar porque en ese momento tenían una espontaneidad que suele perderse cuando ganan experiencia.

Elvgren planificaba cuidadosamente sus cuadros, solía desarrollar la situación visual y luego seleccionaba a la modelo. Seguidamente decidía el vestuario, el fondo para el decorado del estudio, los accesorios y la iluminación. Incluso el peinado de la modelo era un factor relevante, dado que un cuadro podía tardar dos años en publicarse, el peinado de la chica debía tener un estilo que no pasara de moda fácilmente. Para finalizar, Elvgren fotografiaba la escena con una Rollei 2 1/4, tras lo cual podía empezar a pintar.

Elvgren no trabajó nunca para el lucrativo mercado de portadas artísticas para novelas de edición rústica, que culminó en las décadas de 1950 y 1960. Sin embargo, su archivo a base de páginas arrancadas de publicaciones indicaba que el artista seguía este género de cerca y que sus artistas favoritos eran James Avati y James Barba.

Gil Elvgren falleció de cáncer el 29 de febrero de 198o a los 65 años. En su estudio de Featherbed Lane en Siesta Key, su hijo Drake encontró el último cuadro de su padre, que era brillante, incluso inacabado como estaba. Los historiadores del arte del siglo XXI reconocerán sin dudarlo la importancia de la contribución de Elvgrentanto al arte americano como al mundo de la publicidad.

Nuestro Board de Elvgren en Pinterest

La Web de BANKSY: Lo que esperábamos, algo limpio y sencillo

Sí,  la verdad es que la primera impresión que se tiene de la página de Banksy es la de sencillez y limpieza. Casí representa un espacio minimalista y apesar de una aparentemente escasa información da una idea bastante más total de Banksy de lo que se podría esperar, de la manera de ver las cosas de Banksy.

Una galería de obra exterior, quizá lo más  conocido por el público y otra galería, en la que predominan con la misma fiilosofía que en la de exteriores lienzos y obras para ser expuestas directamente en galerías del mundo real.

Aunque no he logrado enlazar a una copia de la pélicula «Better out than in», creo que es del 2013, sobre la estancia de Banksy en Nueva York y sus trabajos en la ciudad de los rascacielos, enla página podemos encontrar el trailer, bastante divertido por cierto, con las imágenes incluidas del alcalde Bloomberg diciendo que no considera arte las iniciativas del artista británico que no sólo se limitaron a obra en acrílico. Esta vez Banksy se ha animado con experiencias transgresoras vendiendo su obra original en un puesto sin lograr vender apenas nada, demostrando de esta manera, como es habitual en él, la imposible separación entre moral y arte, entre política y arte, entre sociedad contemporánea y arte.

Algunas de estas experiencias como la de cargar un camión, de esos que llevan reses al matadero, de muñecos de peluche que gritaban y se movían, demuestran que no estamos ante un grafitero al uso sino ante un ejemplo de artista «total».

El último menú de la página va dedicado a una galería sobre lo que él llama «Los mejores peores graffitis del mundo» con una amplia colección de graffitis de multiples lugares (muchos en La Gran Manzana) de lo que entenderíamos firmas o textos más habituales en muros de las ciudades y a cuyos autores con frecuencia se les denomina «escritores».

Por último, aunque ya muy conocidas os dejo las cuatro preguntas a Banksy que le definen como artista

What’s the worst thing about Street Art?      Having to make your mistakes in public.

 

What’s the best thing about Street Art?       Having to make your mistakes in public.

 

What’s the deal with Sotheby’s? 

As a kid I always dreamed of growing up to be a character in Robin Hood. I never realised I’d end up playing one of the gold coins.

 

Did you paint the spies in Cheltenham?      Yes.

Si vais a Nueva York aquí os dejo el enlace al mapa de localizaciones de la obra de Banksy de obras realizadas en Octubre 2013

 

EVE Museografía: Un Blog, una forma distinta de ver los museos. IMPRESCINDIBLE

Aunque no suelo escribir sobre otros blogs, ya sea por mantener mi independencia o por no caer en un elogio mal entendido, para este autor el caso de EVE museografía es un caso diferente. De manera casual y después de publicar un amargo post sobre el panoramoa museístico español e internacional… y su público asociado, di con ellos.

Debo decir antes que aborrezco profundamente el perfil cásico de la gran exposición antológica con grandes colas de turistas propios y foráneos que precisan, más que ver la exposición y reflexionar sobre la obra,  volver a su residencia con el catálogo y pudiendo contar aquello de «yo estuve allí» (Cementerios del Arte (Paga, haz cola, compra el catálogo y se “cool”). Voy  a ser sincero, echo en falta el ambiente tranquilo y honesto de salas como la exposición permanente de la Galería Whitney (Whitney Western Art Museum)del Buffalo Bill Historical Center en Cody, Wyoming. De hecho después de visitar la exposición antológica de Edward Hooper en el Museo Thyssen-Bornemisza convine con mi hijo que nunca más volveríamos a una exposición de ese tipo, diseñada para el gran consumo y que escasamente tienen algo que ver con el arte, donde el espectador nunca puede reposadamente observar la obra que le fascina y contemplarla hasta sus últimas consecuencias.

Ese fue el motivo por el que me sorprendió el trabajo de EVE Museografía. Me llegó un post, fruto del azar creo yo, y me dió por leerlo, me pareció interesante y decidí seguir su singladura en la red. Fue un flechazo, tengo que reconocerlo. De repente muchos aspectos del hecho museístico me fueron revelados como algo más amable y mucho más dedicado al enriquecimiento intelectual del visitante que al ego de técnicos con muchos medios y escasa sensibilidad artística de la de verdad.

Investigué el blog y leí con avidez las entradas y enlaces que emitían a través de twitter (cierto, FB lo sigo poco en cualquier caso de forma general) y me sorprendió agradablemente que tenían ideas sobre la técnica museográfica muy afín a la que tenía yo mismo como neófito del tema.

Importante la vertiente educativa que mantienen con el posgrado en Gestión de Marketing y comunicación de museos y sus colecciones y el curso de realidad aumentada aplicada a los museos y sus colecciones. ¿Palabras mágicas? Perfil singular y diferenciado y un equipo multidisciplinar para salir del círculo vicioso de hacer lo que todos hacen. Establecen la diferencia porque son diferentes desde el año 2000 que comenzaron su andadura.

Posts como el de «La Ciudad Análoga», «Museo para niños» o «¿Qué es Re-enacment?» son posts que todos los interesasdos en la difusión del conocimiento deberíamos leer.

Desde el Territorio Tóxico les deseamos la mejor de las suertes y recomendamos vivamente seguirles ya sea en FB, Twitter y su blog sobre todo. Tienen la sana costumbre de contestar siempre estableciendo un modelo de comunicación que, suponemos, ayuda a una visión holística de lo que la sociedad espera de sus museos y exposiciones.

Como idea absolutamente personal y que no espero comparta nadie, por lo políticamente incorrecta, El Prado está muerto, Eve Museografía están vivos. Mil gracias a todo su equipo y a Ricardo Cano en particular.

En twitter @evemuseografia

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El Blog Eve Museografía

Jean Michael Basquiat. La película. «Vive rápido, muere joven»

Película dirigida y escrita por Julian Schnobel que recrea la biografía de Jean-Michel Basquiat, pintor de vanguardia en los 80’s  que pasó de ser un joven grafitero del Brooklyn neoyorkino a convertirse en uno de los más controvertidos y famosos artistas plásticos  de la pintura contemporánea mundial . Descubierto por el camaleónico artista Andy Warhol, icono del arte y descubridor entre otros de Lou Reed y la Velvet Underground y David Bowie.

Sus exposiciones se convirtireron en un acontecimiento social de la escena artística neoyorquina de la época, y sus cuadros fueron adquiridos por importantes museos y coleccionistas privados, mientras él se enfrentaba a una espectacular y fulgurante fama que le sumergió en el mundo de las drogas -adicto a la heroína, el artista murió de una sobredosis a los 27 años de edad, sin poder superar la inmensa tristeza que le provoco la muerte de Andy Warhol y la frívola y superficial concepción del arte que en esa época dominaba el panorama del arte en la Gran Manzana.

La trayectoria de Basquiat como grafitero se desarrolló con el pseudóniomo de SAMO y su origen fue explicado por el mismo Basquiat en 1978 en una entrevista que dió a la revista Village Voice. El origen de SAMO viene de la expresión «SAMe Old shit» (Siempre la misma mierda, dicen que basada en el hachís-shit)), a partir de la cual se desarrolló una especie de idea religiosa y estilo de vida sin ningún tipo de sustancia moral, estructurando el concepto en un sistema que podía ser léido a partir de mayo de 1978 en el Puente de Brooklyn, cerca de la Escuela de Artes Visuales. SAMO significaba una nueva forma de arte, el fin del lavado de cerebro, nada de política o falsa filosofía, una expresión de escape. SAMO salva a los idiotas. SAMO como el fin del falso pseudointelectual, fin del arte como juego, fin del arte realizado con la pasta de papá.

Triste y curioso comprobar que el proyecto SAMO de Basquiat atacaba la hipocresía de una sociedad materialista no renunciando a ofender a todos aquellos cuya atención quería captar, y que curiosamente serían  aquellos que se darían de bofetadas pocos años después por comprar sus cuadros.

A diferencia de la mayor parte de los artistas de grafitis dejó de pintar en paredes y vagones de metro y pasó al contexto de las galerías. ?Una traición a si mismo, que luego le pasó una factura personal demasiado costosa? No lo podría asegurar, pero es pòsible.

Mucho se puede encontrar sobre en artista en la red. Hablemos de la película. Impecablemente dirigida por Schnobel y con una sólida interpretación del artista por Jeffrey Wright, contó en su reparto con David Bowie en el papel de Andy Warhol (curiosa transformación del descubierto en descubridor), Gary Oldman como el pintor amigo del artista y mucho más integrado en el stablishment artístico, Benicio del Toro en su papel de Benny Dalmau por el que ganó el premio al mejor actor de reparto del Independent Spirit Award,  Claire Forliani y un Denis Hooper en un papel secundario magistral como coleccionista snob de la época (en algunos casos me recordó el ambiente del Nueva York de «La hoguera de las vanidades» de Tom Wolfe), y finalmente Courtney Love esposa del triste y gloriosamente fallecido Kurt Cobain, líder de Nirvana. La música, simplemente magistral en la línea del genio John Cale, ex-miembro de la Velvet Underground y también descubierto por Andy Warhol.

Espero que la disfrutéis e intentéis entender a Basquiat en una época posmoderna que pudo con él y acabo con su vida a la temprana edad de 27 años, en 1987.

* (El video aunque muestra un timeline de más de 3 horas, dura 1h. 46 minutos, esta duplicada pero es la versión soblada al español que podemos encontrar en YouTube)